公共藝術展覽

前言：想要寫出一篇令人眼前一亮的文章嗎？我們特意為您整理了5篇公共藝術展覽范文，相信會為您的寫作帶來幫助，發現更多的寫作思路和靈感。

公共藝術展覽范文第1篇

1現代展覽展示藝術概述

1.1現代展覽展示藝術定義

它指的是在一定的空間和環境之中，把展品通過直接、客觀等方式呈現在廣大觀眾眼前。展示藝術要通過一定的形式才能完美地展示，被觀眾所接納和贊美。不同的展示藝術需要用不同的模式呈現出來，才能達到應有的效果。通過一定的工程模式才能使展示藝術呈現出美的效果，才能具有非常強的感召力，才能達到意想不到的效果。

1.2工程模式的主要要素

在展示藝術模式中，所包含的要素有很多種，比如，柱、墻、頂、架、柜、臺等都是其最基礎的要素，通過充分運用這些要素會使工程模式更加的完美，所呈現的展示藝術會更加的多樣化，給人們的感官會帶來更大的沖擊力。

1.3現代展覽展示藝術特征

現代展覽展示藝術具有非常強的藝術性，和很多的科學結合在一起，既呈現出多樣性，也具有綜合特征，既有人文特征，也具有商業特征。展示藝術包含了現代和古典元素，融入了很多的特色，古香古色，又具有現代氣息。

2現代展覽展示藝術工程模式存在的問題

當今，社會主義市場飛一般的發展，但是精神需要跟不上經濟發展速度，二者出現脫軌現象，比如，現代展覽展示藝術中的傳統文化和時尚互相碰撞、金錢主義等，這都對現代展覽展示藝術帶來了重大影響。現代展覽展示藝術傳遞的信息更加多樣化。

2.1缺乏認識

現代展覽展示藝術對經濟效益盲目追從，一味地強調經濟利益，而忽視社會功效。這就使得情感非常缺乏，和消費者沒有形成良好溝通，消費者對所傳遞的信息接受過程中就會非常被動。消費者為了消費而消費，如果能夠用更好的模式，讓大眾融入到展覽展示藝術中，這樣就會提高展示效果。

2.2缺失人文主義

人文主義的缺失主要表現在以下兩個方面。第一，缺失人性的關懷。有的展覽展示在設計上沒有真正做到人性化，這對于普通人士來說，對殘疾人的關心就非常少，在設計上考慮不全面，沒有考慮到多面性，根本沒有考慮到殘疾人的特性，比如老年人一般視力不好，這樣就應該把文字視覺進行改造，還有的年輕人對網絡非常推崇，在視覺上應該考慮視覺沖擊。展覽展示藝術對消費者沒有形成足夠的吸引力，這就使得人為關懷成為一句空話。第二，現代展覽展示藝術缺乏傳統的經典思想，沒有對這一思想進行傳遞和繼承，只對其他的藝術風格和形式進行模仿，沒有一定的創新，只是一味地進行復制。在設計上一味地追求與眾不同，一味地標新立異，完全拋棄了經典文化，雖然在效果上給人耳目一新的感覺，但是看后卻覺得非常空洞，沒有文化底蘊，讓人覺得非常倒胃口。在當今的市場經濟中，要利用人文主義的優勢，做到二者的結合，相互補充。

3現代展覽展示藝術模式

3.1展覽會

展覽會是現代展覽展示藝術的一種重要模式。它有自身的特征，和博物館有著很多不一樣的地方。雖然不少的博覽會和展銷會都會盡自己所能，不斷呈現出不一樣的特色，這其中還包括時間性和季節性，并且，在展覽中，其內容、時間、形式、規模等都可以進行伸縮。當今，展覽會已經走進了人們的生活，它帶動了經濟發展，豐富了娛樂，它們所展示的內容和風格有自身的特征，帶動了世界經濟、文化的融合，實現了全球經濟的一體化。

3.2博覽會

博覽會和展覽會二者并沒有明顯的界限，在日常中也會混雜在一起使用。但是，博覽會也有著自身的特征。博覽會在內容上更加的豐富多彩，常常是以與眾不同的展品為主要物品，現代展示和科學技術緊密聯系在一起，用科技推動展覽展示發展。

3.3商業模式

這種模式對于大家來說非常熟悉，它包括各種商場、超市、商店等，它的主要目的是陳列在人流比較密集的地區，通過設計相應的環境，把貨物擺放在里面，給人一種非常舒適的環境，以便銷售或者購買。

4現代展覽展示藝術模式發展趨勢

隨著經濟發展，現代展覽展示藝術模式也煥發出勃勃生機，促進了其不斷發展，使形式更加的多樣化。

4.1充分與科技融合

隨著現代科技的不斷發展，科技已經成為推動現代展覽展示發展的重要力量，為其注入了新的力量和活力，使其更加快速發展。在現代展覽展示設計中，不僅需要繼承傳統的設計理念，也要融入現代的設計理念，要充分發揮現代科技的力量，把傳統和現代有機結合，不但具有古典美感，而且還具有現代氣息，使展覽展示既生動又富有內容。

4.2運用網絡優勢

網絡的發展速度最快，使人們的生活更加豐富多彩。網絡在聲音、色彩、動態等方面都具有很大優勢，對傳統的藝術也是一種沖擊，為傳統藝術注入了新的元素，增添了藝術的魅力。因此，在展覽展示藝術模式中要充分融入網絡，要與網絡結合，可以使藝術更加的多樣化，使藝術更加的生動，讓藝術躍然紙上，非常生動。網絡帶給藝術新的生命，讓藝術更加靈動，翩翩起舞。

4.3人文和環保

公共藝術展覽范文第2篇

關鍵詞：傳統工藝美術 現代展覽展示設計 影響

檢 索：.cn

Abstract ：In the modern exhibition design， the many elements of traditional arts and crafts， whether it is the form or the aesthetic concepts， all have deep penetration in them. This article focuses on traditional forms of elements， color elements， aesthetic concepts argument given to its impact， the exact interpretation of the traditional arts and crafts for modern display design. At the end of this article and especially for this effect， subjectively discussed the development of the modern exhibition design in the context of globalization.

Keywords ：Traditional Craft Art， Modern Exhibition Design， Impact

Internet ：.cn

在當今社會中，傳統工藝美術已經愈加清晰地分流成為兩種主流發展勢態，一種趨勢是指對傳統工藝美術的繼承和發展，而另一種趨勢是指作為傳統工藝美術本身其與現代設計的高度融合。我們不難看出，展覽展示設計作為現代設計的一種形式，也很明顯的承載了第二種發展趨勢，從而與傳統工藝美術相協調，相磨合，相影響。

一、元素：形式上傳統與現代的結合

現代展覽展示設計中，大量繁多而又微妙的元素成為收獲不同程度效果的關鍵。然而，如果說要搜尋傳統工藝美術進入現代展示設計的痕跡，那么我們可以輕而易舉的在元素的運用上尋到線索。傳統元素與現代設計的互相滲透的證據則垂手可得。

（一）造型元素

首先，在造型元素方面，傳統工藝美術滲透到現代展示設計的例子就比比皆是，在很多展示設計作品中，設計者都會為其帶入傳統工藝美術遺留下的古典元素，比如剪紙元素的裝飾，古典紋樣的運用，鏤空形式的雕琢等。

很多設計者為了獲取元素帶來的復古觀感，贏得更多思想復古的觀者的青睞，采取運用傳統元素進行設計展示的方式。設計者刻意強調“民族特色”，收獲其在本民族觀者心理投射出的效果。更有甚者，或許將多種傳統元素強行雜糅后加至現代展覽展示設計中卻得到了與之相反的效果。然而我們卻可以看到傳統工藝美術中基本元素進入現代展覽展示設計的痕跡，這其中也自是不乏應用優秀的作品。

很多設計設計者都會選擇將古典“菱格紋”帶入符合傳統主題的展示設計之中，如東阿阿膠的展示設計平臺中，一些專業設計團隊為其設計的展示效果圖，菱格紋的紋樣華美而莊重的裝飾在展柜之上，而作為古代藥房這一木結構建筑遺留下的其他傳統元素嗎，也適時的配合著古典紋樣設計在展柜的上方，以此取得仿古擬古的效果。

（二）色彩元素

設計者一方面將傳統元素果斷的帶入展覽展示設計方案之中，另一方面，他們又極盡所能攝取對于觀者想要獲取“傳統”這一效果的心理期待所需要的視覺沖擊力，這種沖擊力也順其自然地反應在色彩的表現與傳達之中。

在展覽展示設計中，多種色彩的結合可以傳遞出設計師的極度用心，設計師們希望通過這種直觀的表達方式傳遞出其自身所欲表達的情感，而觀者亦可以在觀看后的第一時間內得到這種傳遞出的情感，并映射出受眾們早已無意識的預設好的心理期待。

設計者們迎合的結果，就是越來越多的展覽展示作品走在“仿古”的道路上，那么，展示設計作品中表達“古意”的一個重要手段就是運用具有傳統工藝美術中常見的色彩元素，如大紅色、赭石、石綠等等。比如上海世博會中國館設計，其所用的主色即是屬于傳統工藝美術中倍受青睞的紅色，也被人親切的稱作“中國紅”。紅色在中國古代社會中是一種裹挾著極深寓意的顏色，有時它以“警示”、“辟邪”的意義出現，有時他又寓意“吉祥”、“喜慶”，而又有時，它以“自信”“高貴”的身份展現在大眾眼前。在傳統工藝美術的語境之中，他亦是以此三種身份頻繁出現，很顯然，“中國館”攜著如此富有極端意義的紅色出現，既是表現出一種對于“傳統”的延續，亦是表達出國人給予的積極的心理期待，同時又極盡所能的傳遞出設計者賦予其“東方之冠，鼎盛中華”的深刻含義，完美的將傳統工藝美術語境與現代展示設計融而合一。

二、美學：現代對傳統的審美意趣的繼承

傳統工藝美術元素無處不在的滲透在其中，很多設計者認為，對于當代設計而言，要走出一條“民族個性”的道路，就必須根植于民族文化土壤中，向傳統工藝美術學習，并進行具有創造性的轉化，使中華傳統設計元素用在當代設計中既具有“民族個性”又有“時代性”，這樣才能真正走向“國際化”。

當傳統工藝美術進入到現代展覽展示設計作品中，展示設計作為現代設計的一個部分已經為其所深深影響，現代展示設計自然也不會單純的攝取古典元素而排棄其內在蘊含。自然而然的，一部分展示設計作品已經深刻的繼承了傳統工藝美術語境下的美學觀念。

（一）傳統工藝美術語境下的“意境”之美

早在南北朝時期，劉勰就已經提出“神與物游”的美學觀念，在此他強調主體與客體的關系，認為“物”是承載主體本身在創造過程之中“神”游的載體。那么，古代藝術家們在創造作品的同時也多是認為藝術作品可以傳遞出藝術家們的主體觀念，這一美學思想也深深影響著當今社會的一部分藝術家。于是，在進行工藝制作的時候，古代一些藝術家打破了工匠們常常為了“用”從而制作的功利性制作，在很多傳統工藝創作時候融入了主體的思想感情。理所當然的尋求藝術表達過程中的“意境”美。傳統藝術的語境下，那些現在被我們分類在工藝美術的一類中的藝術家們就是在探尋藝術品的內在“意境”美，他們極力尋求“象外之象”、“無聲有聲”的藝術效果。

然而，藝術家們苦尋的“意境”美學終于體現在傳統工藝美術的各個方面。如美輪美奐的宋代影青瓷，如寓意深廣的皮革鏤花，如以娛眾樂的燈影戲等。這里每一種藝術創作都是藝術家追求探討“意境”美的結果。

（二）“意境”美對于現代展覽展示設計的影響

藝術家們努力營造的“意境”也是現代設計者們多年研究后所追求與承襲的美學思想，代代相傳的工藝不僅在形式上走進了現代展覽展示設計，在思想上也逐漸成為評判具有“民族意識”的展示設計是否帶有“感情”的標準。這種傳統文化語境下的特有的審美思想，對于那些攜帶“民族意識”的“中國化”的展覽展示設計走向世界是具有極其重要的意義的。

《考工記》曾經提到：“天有時，地有氣，材有美，工有巧，和此四者，然后可以為良。”主體與客體關系的辯證統一都闡釋在這句話中，設計者既要具備工具的豐富，又要孕于天時，且加諸以自身變化之功，則“可以為良”。“意境”的主觀闡釋與客觀結合，造就成功的設計作品。如在一些展覽展示設計的櫥窗設計之中，雕花樓空與古典園林中窗戶的結合常常被挪用在櫥窗設計中，這就可以配合設計者本身的趣味營造出“意境”美，達到“移步觀景”的效果。

很多設計作品中，我們都可以看到傳統工藝美術常常追求的“意境”美，不僅影響曾經，亦隨著時代的變遷，影響著其后的許許多多，這是影響，也是繼承。傳統工藝美術是歷史的產物，準確地說是歷史生活的產物，對于其傳承并且影響，甚至改變，都將是展示設計乃至設計本身的根本主題，發展，創新與改進，都將是現代展示設計的永恒目標。這里一方面揭示出傳統工藝美術傳承和發展的方向，另一方面也驗證了傳統工藝美術在美學思想上對于展覽展示設計的影響。

三、功用：現代異化傳統的本質體現

以上這些無論是形式美，還是意境美，都是虛幻的美學觀念，而展覽展示設計的根本竟也還是未曾脫離“功能化”這個永恒不變的話題。現代展覽展示設計在面對功用本身時，更加注重對于“形式美”的追求，而這對于傳統工藝美術來講，卻是完全不同的另一種新解。

傳統工藝美術是建立在“致用”的目的上產生的，對于青銅器、陶器、玉器、絲綢制品等來講，他們的“功用”大于“審美”；如一場大型人文展覽的展廳設計，一次藝術品的拍賣展場設計，一個博物館永恒主題的展示設計等，都將被觀者要求達到“賞心悅目”，從而吸納大批的參觀者進行參觀行為。那么，我們就可以說，現代展覽展示設計的目的都應當是“審美”大于“功用”的，或者，我們還可以委婉的表達成為，作為現代展覽展示設計來講，都是“審美”偕同“功用”展示在觀者面前的。這將是有異于傳統工藝美術的極大的不同之處。

按照什克洛夫斯基的看法，“藝術的目的不是提供認知的對象，而是提供感知的對象，是要恢復人們對事物的鮮活的審美感覺”。展覽展示設計本身作為一件供觀眾欣賞的“藝術品”來講，應當是提供給觀者感知的對象，為觀者提供可以感覺到美感的設計作品，那么從傳統工藝美術的角度來看現代展覽展示設計，我們將會發現，這將是現代展示設計對于傳統工藝美術的異化體現。

四、展示：傳統前提下如何適應世界

傳統工藝美術對于現代展覽展示設計作品的影響無處不在。然而，在保持完整“民族意識”的“中國化”的現代展覽展示如何適應日新月異的社會、面對高速發展的現代化并走入全球化語境呢？這將是一個永恒的問題，筆者在欣賞現當代藝術作品之余，略加小議。

公共藝術展覽范文第3篇

【關鍵詞】流動幾何設計形式流動藝術展覽館扎哈?哈迪德香奈兒

一、流動空間與展覽模式

在中國古代，蒙古族作為游牧民族從事于游牧生產常需要遷徙定所。于是經過千百年的探索，游牧民族終于一步步建造出了適用其勞作特點，選用木料、毛氈建造的蒙古包。以木桿為主要支撐材料的蒙古包給游牧民族自由遷徙帶來了極大的便利。這便是中國早期流動空間建筑的雛形[1]。在國外，最早提出流動空間的是法國的空想建筑家――尤納?弗里德曼，他在5O年代末提出的“移動建筑”的設想從而引起建筑界的極大爭議。

從1851年英國倫敦海德公園舉辦的第一屆水晶宮世界博覽會開始，展覽模式作為一個營銷和共享并存的新形式孕育而生，給予了商品除了銷售價值外還提供觀賞價值。傳統的展覽模式局限于地域性以及臨時性，使展覽的內容不能得到共享和有效的傳播，而且展覽設施的短暫性，造成了資源的浪費。于是，居于此類問題，流動展示作為一種新興的展覽模式開始被設計師們運用及實踐。其中的經典作品便是由扎哈?哈迪德為香奈兒設計的流動藝術展覽館。

二、扎哈?哈迪德與流動幾何設計形式

扎哈?哈迪德，伊拉克裔英國建筑師，2004年獲得普利茲克建筑獎。她于1972年進入倫敦的建筑聯盟學院學習建筑學，1977年獲得碩士學位。在學習期間，哈迪德致力于馬列維奇的至上主義和塔特林、康定斯基的構成主義的研究，其今后的設計風格深受其影響。至上主義和構成主義強調情感抽象的理性，反對物象的具象傳達。[2] 在動態的、抽象的幾何構圖中，運用沖突、穿插、疊合與錯位的手法，創造出對比強烈、充滿動感、極不穩定的視覺形象與構圖效果[3]。反應在扎哈哈迪德的設計中是她在整體的建筑形態中十分重視“勢”的表達，強調“流動感”的表現。利用動態的、抽象的空間和幾何結構，來反映都市建筑繁復的特質。這種流動幾何形式在德國的魏爾市維特拉家具廠消防站以及中國的廣州歌劇院都有所體現。

德國魏爾市維特拉家具廠消防站的設計是由一系列的三角形、契性這種幾何形體的線性板塊聚集、交叉和疊合而成。作為墻體的板片之間既相互沖突卻又向某一點聚集，給予建筑強烈的方向和流動感[4]。入口處的雨棚形成了整個形式構圖的焦點，尖銳的造型像一把飛刀往天空刺出。投射在墻面上的陰影隨陽光的照射角度改變而富有流動感。整個建筑在平面上就像幾只紙折的飛鏢。

廣州歌劇院以其“圓潤雙礫”的設計方案在眾多優秀方案脫穎而出并確定為實施方案。建筑的內部、外部以及城市空間看作是城市意象的連續片段，通過刻意的幾何切合和連接，形成具有強烈幾何形態的流動空間形式[5]。在室外^域，以幾何三角形形體天花和具有流動性的傾斜柱體，墻體構成開放的公共空間，成為社會化的城市共享休閑場所。在室內區域中，同樣貫徹了整個地景建筑的設計理念，借助大面積的玻璃與室外景觀的內外相互交融，模糊了邊界，構成流動和連續的功能交織、景觀滲透的動態空間。

三、香奈兒流動藝術展覽館

扎哈?哈迪德以其敢于打破現代主義建筑所推崇的“形式服從功能”的思想，創造“功能追隨形式”的新建筑理念和流動幾何設計形式與香奈兒經典菱形手袋所有表達的含義完美的契合從而受到了香奈兒首席設計師卡爾?拉格斐的青睞，并應邀為香奈兒設計流動藝術展覽館。

3.1 以菱形格紋手袋為靈感

香奈兒流動藝術展覽館建立的目的是為了慶祝香奈兒經典菱形手袋l2.55 50周年而舉辦的。菱形手袋的設計者是其創始人香奈兒女士，她的設計敢于突破傳統，為傳統的手拿包加上背鏈，讓女性得以解放雙手。在形式上采用立體菱形成格紋由不斷重復的幾何菱形形成清晰的流動線條，避免了單一面料的枯燥，給予手袋流動活躍感。并且包包細節處理上設置了放零錢的隔層、放口紅的小袋、附拉鏈的內袋、寓意MISS等都是香奈兒女士精心考究而成的。

香奈兒流動藝術展覽館的設計靈感來源于香奈兒經典菱格紋手袋，利用幾何形形體構架組成展覽館外形與手袋的立體菱形成格紋相契合。菱形手袋內部這種對細節考究讓扎哈哈迪德在展廳內部空間設計中也有所注重。展廳空間的內部與外部、明與暗、自然與人工景觀這種人與空間的細節設計也在重塑每個展覽空間的特性。

3.2 螺旋形展館造型

香奈兒流動展館的弧形流動形體是扎哈?哈迪德近來對自然有機系統的研究成果，在自然界中，有機系統的生長是最頻繁的，這恰好適應了建筑周邊向外擴展的需要。香奈兒流動展館的有機形體演變于自然界的螺旋形貝殼。在純粹的幾何造型中，環形地盤的弧形流線有著螺旋形向內運動與集中的趨勢。展覽館隨著建筑底盤按一定參數變形創造了一個環繞周邊持續變化的流動空間。

3.3 流動空間設計

香奈兒藝術展覽館入口處是128平方米的巨大公共區域，弧線性的公共區域自然的引領人們進入內部的展覽空間，巨大的入口公共空間設置符合了有機系統的生長，適應了建筑沿周邊向外擴展的需要。內部是環繞弧形流線持續變化的多樣性展覽空間，呈350度以流動的自然幾何定律建構成一個流暢而充滿動感的相連空間。中心是一個65平面米的中庭。巧妙的引入了自然光線，為參觀者提供了一處會面和討論展覽的地方[6]。這樣的安排同時也能讓參觀者在觀看展覽的過程中，彼此相遇，促進交流。

3.4 可拆分單元結構

為了方便在不同城市間的大量搬運，香奈兒流動展館是一座預制件組裝而成的建筑物。由300片玻璃纖維、750組鋼擰⒘串延伸式的弧度組件構成。展覽館有機體的外形由一系列輕質曲面組件構成。當展覽館需要在世界各地巡展時，組件可拆分成結構單元，方便運輸管理。每個結構單元的寬度都不超過2.55m。拆分的接口既成為展館外立面的主要特征，也為展館內部營造空間透視的節奏感[7]。其可拆分的單元模塊便是香奈兒流動展廳從2008年起陸續在香港、東京、紐約、莫斯科、倫敦和巴黎巡展的結構基礎。

四、總結

香奈兒流動藝術展覽館是扎哈?哈迪德在過去30多年里對自然環境與人工系統相結合的的不斷探索的成果，利用數據成像軟件及施工技術的復雜性和先進性使流動藝術展覽館的建造成為可能，其幾何形態的流動空間，實現了展覽空間的持續蛻變，它打破了傳統設計的局限，它不再是20世紀工業時代的重復建筑。而是運用新型空間理念和大膽創新的流動幾何設計形式，改變了我們對未來展覽空間的憧憬。

參考文獻：

[1] 常莉. 淺談移動展覽模式[J]. 科技信息. 2010（17）

[2] Martin Ruestchi，劉勝杰. 扎哈?哈迪德與至上主義[J]. 城市環境設計. 2010（09）

[3] 任小君. 我國城市消防視覺文化形象價值研究[D]. 西南大學 2014

[4] 何亞男. 自由與重生――德國維特拉消防站建筑空間的解讀[J]. 大眾文藝. 2011（22）

[5] 黃捷，張廣源. 藝術性與自然性的表達――廣州歌劇院設計創新與實踐[J]. 建筑技藝. 2012（04）

公共藝術展覽范文第4篇

關鍵詞:學院派;教學;藝術展覽;文化價值藝術

語言需要借助一定的媒介，通過特有的手段傳達、展示給受眾，以期引發心靈的顫動與共鳴。學院派畢業設計展覽形成于高考制度恢復、學科制度建立后。以高校的藝術學院為平臺，主體為教師與學生，建立在師生教與學的過程中衍生出來的藝術現象。并以其特有的藝術價值豐富著高校教學建設，演奏別樣的藝術風采。

一、學院派畢業設計藝術展覽

展覽藝術又可以稱為展示藝術，展示是人類的一種生活的本能。從生物科學的角度來分析，生命發展的源頭就集合著各類樸素的展示現象，比如鮮花總是通過自己美麗的花瓣，艷麗的色澤來示好飛翔的昆蟲，以期借助昆蟲來完成授粉;雄性的鳥類華光異彩的羽毛往往會吸引更多的同類雌性;大象、河馬等動物總是在的季節引吭高歌，讓更多更好的雌為之傾倒。而存活于人類社會的展示現象則具有獨特的精神、文化特質，這不僅僅是人類本能的行為，而且是有意識的行為和具有文化傳承性的行為。“人不僅僅有動物性本能，還有人的自主意識，人的活動總是在對象中投射自己的主觀愿望和目的，并通過和對象的聯系或對對象的改造等實踐活動發現和實現自己。”［1］藝術展覽在中國的落地可以追溯到20世紀70年代末期，而學院派畢業設計藝術展覽則隨著主流藝術的發展逐漸形成了自己固有的模式。從規模上來劃分，學院派畢業設計藝術展覽可以歸納為師生個體獨立展、群體展(全校性的如畢業設計展、班級展)兩大類。展覽出現的最基本的目的就是鞏固和加深課堂藝術教學的基礎知識，提高基本技能，讓學生自由地發揮自己的專業特長，獨立地開展藝術自我表現或藝術創作的實踐活動，擴展自己的興趣和才能。同時，此類藝術學院每年的畢業展覽又是檢測和反映學院教學水平、藝術創新程度與水平的重要體現。教育家湯宇認為:“作為大學教育的出口，向外界展示美院教學現狀，其實正是彰顯了一種自信和開放的態度。”［2］每年的各大藝術院校的畢業季，不僅僅成為跨院系的盛大慶典，畢業生的不眠之季，也成為了藝術院校獨具一格的校園開放日，公眾可以隨意地出入，品析各類作品，近觀美術院校的創作環境，揭開藝術的神秘面紗，讓藝術真正地介入到公眾的生活。學院派展覽需要師生展覽前的精心策劃選題;創作展開過程中各種問題的應對與心態的調整;展覽活動中的各個環節的安排;展覽過程中產生的市場價值、文化價值的評估;展覽后藝術文化論壇的伴隨，整個“展覽鏈”已衍生出一種深刻的文化價值、藝術價值。

二、學院派畢業設計藝術展覽策略

中國當代的藝術展覽的形式與內容的定位大致經歷兩個階段。第一個階段屬于一種近乎模仿的階段，模仿歐美成熟的展覽體制，試圖把自己裝扮成展覽的合法身份，主要的藝術表現課題是意識形態的本地表現。第二個階段，漸漸從模仿中找到了展覽的本質意義，開始關注本土的藝術精華，藝術表現課題逐漸地從“向外輸送型”發展到“自我表演型”，展覽的策劃與定位試圖與國際展覽發生鏈接，尋求國際大展上的位置。學院派展覽是在這種大的藝術展覽景觀下形成的具有特質性的展覽形式，既要展示出四年學院藝術的學科性、師承性、教化性，又要順國內大的藝術展覽趨勢而上，呈現出一種“代謝式的展覽”。在展覽策劃初期，學生回顧學院的藝術教育，對已學的藝術現象進行歸納、總結，借助一定的材料將這種歸納性的總結付諸筆端。在這種對藝術現象進行歸納的過程中往往又會開拓一種新的藝術創作局面，這種開拓的新局面會引導學生在畢業后的工作與學習領域中繼續探尋藝術的新境界。

(一)展前教學模式構建

任何一場展覽無論開幕與場地設計得有多么的巧妙，但對觀者留有印象的還是展覽作品本身，可以說展覽的核心就是拿作品來說話。展覽前的創作準備是檢驗知識、錘煉自我、綻放自我的過程。學生在創作的過程就是在觀察生活、體驗生活的基礎上對生活的原料進行能動的改造、加工，在學生的頭腦中構成藝術形象，并通過物質材料的運用，使之外化為物質形態的藝術品的審美創造活動。責任感與使命感是潛藏在每個藝術家心中的一個小宇宙，學生在藝術創作的過程中可以深刻地擁抱藝術，體味藝術的本質內涵。藝術是觸手可及的，它存活于生活的每個角落，學生在創作的過程中要做的就是找到它，提煉它，表現它。“一部電影的制作要經過主題構思、組織宣傳、場景布置、場地選擇等基本的操作流程，采用一定的敘述手法，將圖像、影像、話語呈現給觀眾。斯托爾、簡斯•霍夫曼等人認為，藝術展與電影制作類似，等同，均作為特殊的文化儀式活動，借由空間、文本、圖像、展場與語境的關系設計藝術，展示藝術，反思藝術，并將文化的價值、藝術文化的形式、話語等內化到藝術結構中并加以闡明，從而輔助觀者深入理解藝術作品的敘述模式。”［3］

(二)展中的文藝價值展現

瑞士心理學家、語言學家、審美家愛德華•布洛曾發表過這樣的言論“距離乃是一切藝術的共同因素”。最佳的美感距離就是那種最近距離而又沒有喪失距離的那種距離。展廳現場的作品的展示恰好設定了一個這樣不遠不近的最佳距離，在展廳欣賞藝術的過程中，觀賞者對于藝術作品所顯示的事物在情感上或是心理上保持著一定的距離，這種由于消除了觀賞者對藝術作品的實用態度而使美感有利于情感，因而使觀者對眼前的事物產生了嶄新的體驗［4］。創作者在展覽現場觀察別人對自己作品的感受時，以第三者的身份重新解構創意，認識藝術，探討本我、自我與世界的關聯。對于參展的學生來說參展不僅僅是一個過程，不僅僅是被人認知了一下，對于現場的討論、觀察、評說，以及對作品的二度解構，都會對學生的藝術生涯增添了一個觸及藝術命題的深刻論證，對于個人素養的提升，專業知識的升華都有很好的“井噴”效果。著名的學者蘇納認為“圖像和動態學習經驗相互交叉，效果最佳。”高校藝術展示文化既能夠提供給學生圖像、知識的學習經驗，又能夠提供給學生更多的動態學習經驗。據調研統計，通過接觸或觀摩展覽，有近80%的學生能夠獲取自己專業以外的美術知識，有超過50%的學生認為能夠對自己的創作產生影響和幫助，大多數的學生希望通過展覽與其他作品進行“溝通”。藝術創作力是需要鼓勵的，藝術表現能力的提升也不是一蹴而就的，要在點滴的藝術軌跡中不斷地鼓勵、吶喊，而藝術展示正是提升學生設計信心的一碗心靈的雞湯。心理學家威廉•杰姆曾說過:“人性最深層的需要就是渴望別人的贊賞，這是人類之所以區別于動物的地方。”［5］賞識教育和激勵教育是愛的教育，也是人類教育生命中最被需要的一種教育，是最富有生機的人性的教育。在展覽期間創作者的作品往往會與觀者產生共鳴、交集。創作者在與參觀者介紹與推介自己作品的時候，參觀者的微笑、點頭、問詢都是對創作者最大的肯定與鼓勵。藝術展示進行中的交流是大學藝術發展的助動力。交流中總會有兩種聲音相碰撞、相融合、相依存，交流是一個互動的過程，是當代任何藝術發展的助燃力，互動交流可以引導藝術朝向一個積極的、健康的、正能量的、具有學術深度和品質感的方向發展。學院派的藝術發展更是離不開藝術展間的交流。藝術展示沖破了大學藝術專業培養方向的專業局限性，是一個開放、有容乃大的大課堂，可謂動畫、廣告、環藝、裝潢、繪畫、新媒體等各大專業共聚一堂。這樣的大課堂打破觀者與創作者間學科專業的禁地，可以引發出更多的藝術話語的討論，觀點的碰撞。在展覽期間會出現一種合作的團隊狀態，而團隊精神也是21世紀藝術人才必備的素養。因為展覽這個大目標會把各個專業、各個研究方向的人員凝集在一起，成員為了一個共同的目標而協同合作。圍繞這個大目標成員之間會互助互利，相互依存，相互影響，以追求目標的達成。策劃一場展覽，從主題的設定、作品的創作、方案的修改、展場的空間設計、作品的排列方式、展覽的宣傳、開幕現場氣氛的設計、展期的現場維護、值班安排、展期結束現場的清理等環節都會有一個工作完成計劃表，每個階段完成工作清單都在團隊主管的掌控中。團隊主管要按照計劃表的要求分配工作，團隊成員要按照要求去完成各個時間節點中的具體工作。在整個展期，團隊成員之間一定會保持良好的溝通、頻繁的信息交流。

(三)展后的教學效果延伸

圍繞學院展覽開展的配套的公共藝術教育活動則達成美的延伸。審美教育也是高校的基本職能之一。首次提出和使用“審美教育”概念的德國美學家席勒認為美育可以把“自然的人”上升為“道德的人”。是對人的心靈的凈化，對人情感的激發，對人想象力的培養［6］。荀子日:“樂者，圣人之所樂也，而可以善民心，其感人深，其移易俗，故先王導之以禮樂而民和睦。”［7］認為美育就是:“應用美學之理論于教育，以陶養感情為目的者也。”郭沫若也曾說過，美育是喚醒社會的警鐘，是招返迷羊的圣經，是澄清河濁的阿膠，是鼓舞革命的醍醐。可見審美教育的功能和作用歷來為古今中外的教育家、美學家、思想家所重視。藝術展示引領學生達到更高的人文境界、思考深入的問題。人文精神是一種對于人類的價值、尊嚴等的關懷，其核心是對人類命運的一種感召，在漫長的人類歷史發展中，正是因為有個人精神的存在，藝術才有了人性的光輝，在藝術展示過程中學生是創作的主體，學生可以通過在高校藝術學習中提高自我的人文精神，在不斷的藝術實踐、創作中進行自我的訓練。學生在老師的指導下，親自參與鑒賞藝術作品，在一次次的鑒賞與感悟中，深刻體會到藝術的魅力及人文精神。藝術展示就是用最簡單的設計思維來反映更高層次的問題或現象，引導學生思考到更廣袤的空間中去，對社會有更深入的認識，對世界有更強烈的感觸。

三、結論與展望

學院派展覽就是要搭建一個平臺，一個連接學院與社會的平臺，讓社會上的人更全面更具體地了解中國藝術的現狀，中國藝術高校的教學成果。學院派展覽是借助展覽這種形式讓學生充分地理順自己的藝術情感、技法表現、意識形態的比擬，開拓新的藝術的研究與探索方向。展覽的終極目標就是探求藝術與精神之間的關系，探尋個人表現的張力，給創作者、觀者新的人生啟迪。

參考文獻

［1］馬克思．1884年經濟—哲學手稿［M］．北京:人民出版社，2000:65．

［2］謝亞平．畢業展的使命———觀川美設計藝術學院2009年畢業展［J］．美術報，2009(3):32．

［3］李硯祖．中國藝術學研究［M］．湖南:湖南美術出版社，2001:380．

［4］巫鴻，王璜生．地點與模式:當代藝術展覽的反思與創新研討會論文集［M］．桂林:廣西師范大學出版社，2002:137．

［5］尹定邦．設計學概論［M］．湖南:湖南科學技術出版社，2005:100．

［6］李澤厚．美學三書［M］．天津:天津社會科學院出版社，2003:198．

公共藝術展覽范文第5篇

Massimo Torrigiani：謝謝。

World Art：先談談您擔任博覽會總監的過程。

Massimo Torrigiani：我其實本來是出版社的老板，我們在意大利的米蘭做關于攝影的國際性雜志，在紐約和米蘭同時出版，有時還出版書。所以當時并沒有試圖找其他工作。但有一天我接到了展覽有限公司負責人的電話，他聽取了我們一共同的朋友的意見，認為我可能是上海國際當代藝術展新總監的合適人選。所以他在電話里告訴了我上海國際當代藝術展的情況，包括這個項目是如何進行的，從第一屆到第四屆的具體內容等。

World Art：所以您產生了興趣。

Massimo Torrigiani：是的。我覺得非常有意思，雖然有一點復雜，有一點困難，但是非常有意思。加之上海也是非常有意思的一個城市。雖然當時我的工作很忙，但還是試著去接受這個職務。

World Art；你并沒有做過這種大型展覽的總監，我表示懷疑。

Massimo Torrigiani：我覺得像在上海這樣的城市，嘗試新的職務會產生更加好的結果，特別我是來自西方國家的人。我的老板之所以打電話讓我做這個職務，也是因為有關于文化背景的問題的考慮，他還是希望我能做好這個職務的。

WorldArt：您是意大利人?

Massimo Torrigiani：是的，但一直在英國工作。因為以前的工作涉及到公共文化等不同領域、不同背景，所以我老板對我很有信心。通過之前的工作經驗，我想我不僅能將文化成分體現在此次的策展過程中，也許還能連帶產生一些經濟效益。畢竟多年出版社編輯的工作讓我經歷過很多藝術展、文化活動。

World Art：其實我們是同行。

Massimo Torrigiani：嗯，我們都知道如何把不同的東西融合在一起。上海要做一個獨一無二的藝術展，對我個人而言也是非常好的機遇，我可以把過去所有的經驗和吸收到的最新鮮的一些信息都放到上海國際當代藝術展里面來，做出一個獨立的，以前從來沒有做過的博覽會。

WorldArt：因為在您之前，您的上一任以及上上一任都有出現過不同的問題，您是否知道前面這些情況?

Massimo Torrigiani：我知道過去發生一些事情，也了解那種艱難的情況。但是其實我本身對于前任的人所發生的事情并不感興趣，也不想深究。比如第一屆的問題，我認為就是國際性的畫廊過多所致，而我將不僅僅會局限于依靠國際性的畫廊。我會避免重蹈覆轍。

WorldArt：請你原諒我對你的“拷問”，可以叫考試，也可以叫懷疑，因為你第一次來上海做事情。

MassimoTorrigiani：上海有它自己獨特的優點、獨特性，這是特別有競爭力的一個城市，是全世界最有意思的城市之一。

WorldArt：上海也有不利的地方，比如作品運輸、關稅，都是很麻煩的事情，上海政府文管部門對藝術作品會有些限制。

MassimoTorrigiani：審查制度是中國的一個問題，也是上海的一個問題，但是它并沒有阻止中國藝術的發展。我來自意大利米蘭，在米蘭也會審查。比如曾經禁止過一個涉及同性戀題材的展覽。又或者今年在美國華盛頓的一個涉及敏感問題的展覽也取消了，是關于宗教的。所以我自然不會低估中國政府在審查上面的能力。

World Art：第一屆博覽會的時候，好像賈科梅蒂(Gl‘acomettl?Alberto，1901-1966)的作品就被審查掉了。

Massimo Torrigiani：很不幸。但其實西方有一些國家會把自己的思想強加于別人，這是比審查制度更加可怕的。審查制度是一個問題，但是我覺得并不會影響我們去創辦一個非常成功的藝術博覽會。

World Art：能否透露一下今年的展覽理念或者構思。

Massimo Torrigiani：我是獨立的出版人，也做獨立的策展人，基于這兩個獨立的成分，我就需要很多不同的力量，讓我把所有事情融合在一起，做得更好。藝術展是很大范圍內的活動，它是一個很大的世界，藝術家的議題可以很大、很寬泛。

World Art：那是否有新的展覽方式，或者新的畫廊的組成方式?

Massimo Torrigiani：我現在試圖讓中國和亞洲最好的畫廊參加到藝術展里面，對于一個藝術系統來說，如果要舉辦一個成功的藝術展，那么好的藝術畫廊是至關重要。它們就像擴音器一樣，可以讓每個人都能了解到這個藝術展是怎么樣的。我覺得在當代的上海，必須有畫廊和畫廊之間的對話，要不僅僅局限于是藝術作品的交流，更多的是與來自所有地方的人進行不同的創作理念的交流。我們的團隊是國際性的，包括中國人。比如現在的年輕人，他們不會把藝術、設計、電影等等門類分開來去思考，他們把這些成分和因素全部融化，想象成為一個整體。這就是新的趨勢與理念。我們還會發展新的收藏家，就像是建立一個橋梁，把人們從人群當中吸引到展覽，回到藝術里面來。

World Art：可以預計大陸畫廊和歐洲畫廊的比例分配是怎樣的?因為這是成功的重要指標之一。

Massimo Torrigiani：如果說是理想中，也許亞洲方面70多家，國際方面30多家。這是個大概的設想，現在暫時還不知道怎么去規劃，因為我們還在等畫廊方面的方案，我還想和畫廊有進一步的溝通。一個好的藝術展是需要通過聆聽發展起來。

World Art：其實這并非一個展覽，更像是畫廊的盛會。第一屆的時候歐洲的畫廊幾乎占了一大半，中國大陸的卻很少，大概只占三分之一。

Massimo Torrigiani：這是錯誤的。只依靠國際性的畫廊是一個錯誤，因為他們來到中國是因為期待銷售，如果沒有好的銷售的話，國際性的畫廊第二年就不會再來了。

WorldArt：是的，其實第二屆上海當代就是這個局面。所以本土化很重要。

Massimo Torrigiani：就國際性的攝影市場來說，現在已經在進一步的成長，中國也一樣。雖然慢，但是在成長。現在中國有一些攝影畫廊在這兩三年發展得很快，也得到很好的聲譽。因為可以說攝影是當代藝術發跡的原因，所以我跟隨，并關注過很多中國的攝影家。特別在2011年，我們上海國際當代藝術展將有一個特別的區域只做攝影方面的東西。其實沒有一個當代藝術展是可以去除掉攝影這一塊的。大家都知道巴黎有一個攝影展，是世界上最好、最有趣的攝影展，但只有攝影畫廊才能參加的，所以你只能得到對當代藝術很片面的認識。所以要跨越這個界限，要用一個全局性的視野去關注攝影。自然的，當代藝術的其他門類也是如此。

World Art：中國的當代藝術界實在有太多非常優秀的藝術家等待被國際關注。

Massimo Torrigiani：我知道。而且名氣將不是我們關注的重點，我們的展覽里會有最有名的藝術家，但是也會留出地方給一些作品精彩，但不太為人們所知的藝術家。這樣的展覽將會非常有意思。