花卉藝術設計
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花卉藝術設計范文第1篇
關鍵詞：現代繪畫；藝術形式；服裝設計
19世紀末是整個西方歷史上最大膽、最富冒險精神的時代。現代繪畫在這個時期初露端倪．繪畫史上出現了一個空前的裂變繁衍的階段，這種裂變對藝術史所造成的分割，大于文藝復興以來上所有風格的變遷；各種藝術思潮在這個時期萌芽、蔓延，未來主義、立體主義、表現主義以及與藝術傳統徹底決裂的達達主義和超現實主義等藝術流派交相輝映，繪畫到達了一個空前的激蕩人心的高度。同時，現代服裝開始從服裝的普通含義中脫蛹，在法國巴黎——當時世界藝術家的活動中心．開始出現了高級時裝店，標志著服裝進人了一個新的紀元，這無疑是與當時的現代藝術活動有著緊密的聯系的。20世紀初，在英美出現的POP藝術等更為新潮的藝術現象，在這些藝術思想和表象里已經宣告20世紀現代美術不同方向的特征成熟起來．與此同時，現代時裝的概念也被C·F·沃斯的設計轟動初步定義。
繪畫與時裝雖不是一回事，但兩者之間的聯系已經歷了很長的時間，而現在則愈發地深人和復雜，現代繪畫的一顰一笑都影響著服裝設計師的靈感動機。藝術家們將自己全新的藝術觀念通過全新的藝術語言表達出來，推向社會，這些來源于現代繪畫的藝術觀念溶人歐美國家的各個社會階層，并在社會道德方面、生活方式乃至言行舉止都有著深刻的烙痕．服裝在此方面更是有著明顯的追隨、呼應。
服裝是人們生活狀態中不可缺少的一種基本狀態，作為人們生存的一個基本前提之一．它具有實用性、科學性和藝術性，因而服裝本身是一門造型藝術．是區別于繪畫、雕塑等造型藝術類別的一門新的藝術。同時，它與這些藝術類別又有著千絲萬縷的聯系．它包括其他藝術的各種特征甚至美學原理．如比例、節奏、平衡、對比等．因而服裝設計本身就是一種藝術創作活動。
每年在巴黎時裝節會上的新藝術服裝樣式．就是從立體派、黑人雕刻、古埃及美術等藝術形式中汲取營養．其特征是多采用直線的、幾何紋樣的形式，新藝術樣式本是來源于巴黎的裝飾美術博覽會．脫離新美術的趣味和裝飾過多的傾向而產生的。它把藝術和產業融合在一起，深受大眾的青睞，它給服裝帶來的影響．使女性們脫掉緊身胸衣，開始穿著機能實用的筒狀服裝；追求由于身體活動而展開現服裝魅力；強調衣服的動感．這無疑是現代畫藝術對服裝所帶來的一種積極的影響。但是．繪畫畢竟是以畫面表現為目的，而服裝則是通過服裝表現人．過份注意繪畫的表現方式．往往會贊成喧賓奪主，追求形式的新奇也應有節制、分寸，如超出限度，就有可能流于怪誕，如崩克(Punk)服裝．著裝的顏色令人毛骨悚然，有給人以不快之感的攻擊性。
抽象廣義繪畫一度是現代繪畫的主流，它的色彩及構圖、造型都給服裝以巨大的影響．畢加索、馬蒂斯、布拉克、蒙德里安等現代繪畫大師還曾親自參予過戲劇服裝設計。他們的繪畫作品也給時裝設計師們以啟迪，曾是他們設計時裝的靈感源泉．如法國Y·S羅朗設計的蒙德里安式套裝。另外，POP藝術也給羅朗以創作的靈感而發表了著名的一系列POP藝術之唇、之軀等裙裝。
現代繪畫的創作精神、技法、原則更是對服裝有著巨大的影響與指導。這些技法在時裝設計中屢用不鮮。最典型的莫如超現實主義對服裝的影響了超現實主義(Surrealisn)的哲學定義是純精神的、不受正規意識支配的行動。另一種解釋是指擺脫理性的控制和審美及道德上的偏見，結合象征主義、浪漫主義思想。用夸張和反常的語言形式來追求神奇的藝術效果它在服裝領域里的影響相當廣泛，如曾經出現了西歐的E·夏帕瑞麗(Schiaparelli)及其影響下的K·拉加菲爾德，Y·S·羅朗等設計大師，他們都曾熟練地運用超現實主義的精神和技法設計作品倒置設計——將人們固有的視覺習慣或使用、欣賞習慣打翻，倒置而進行設計是超現實主義繪畫的觀念在服裝設計中的典型表現形式之一。例如E·夏帕瑞麗受畫家東根·達利等人的啟迪，于l973年設計的一套上衣，前后反轉的款式及倒置于頭頂的高跟鞋帽子等。設計效果十分出人意料，從哲學意義上來講，正是這種非理性精神的選擇。使服裝設計中滲入了一種前所未有的東西，使之面目一新。
E·夏帕瑞麗有很高的藝術修養，他與超現實主義畫家的交往。使他對超現實主義繪畫有著深刻的理解。因而能設計出一系列優秀的時裝作品。對服裝設計師來說，研究繪畫是為能設計出獨特而美觀的款式。意大利的R．吉利注意文藝復興的藝術。更注重R·勞森柏等現代繪畫大師的作品。留戀于泰菲(Tate)現代繪畫畫廊．搜集藝術靈感。繪畫藝術的素養是時裝設計的根本素質。許多時裝設計師本人就曾從事繪畫藝術或別的造型藝術的。如P·拉邦奴、D·基旺什等．他們設計的時裝較現代繪畫更容易被人們接受和理解，同樣對人們的審美情趣起引導作用在此時，人們對服裝的精神性表現出更大的興趣．更注重服裝的審美的藝術性和象征性了。
花卉藝術設計范文第2篇
【關鍵詞】傳統繪畫藝術 現代藝術設計
從我國文化發展的歷史經驗來看，一個國家、一個民族文化的發展，要立于不敗之地，就要勇于吸收，敢于繼承，善于交融。無論是從我國早期華夏文化的形成直至達到兩漢文化的高峰，還是盛唐文化受到西域、印度文化的影響而發揚光大，無不表明，只有勇于吸收，才能發展，只有敢于繼承、善于交融才能最終真正成為自己文化的主人。在藝術設計方面我們也還是應該“立足中華、面向世界”，既要尊重民族藝術的獨特性，體現中華民族的審美心理，又要反映現代人的內在精神追求。在藝術設計中，我們也要“尋根”，尋找我們中華民族傳統文化中為其他民族所不及的思維優勢和獨特風采。藝術始終要講內在的延續，一種藝術形式的產生及被容納，需要特定的歷史文化背景，其中包括一個民族的生活方式、習俗、倫理道德、審美習慣等，構成潛在的深層文化結構，深鎖于民族的心理和精神之中，調節和制約著民族文化的發展和外來文化的介入。在中國設計者的作品中，時時流露出傳統繪畫造型藝術潛移默化的影響。分析這些影響，肯定某些積極的因素，將會有助于發展中國藝術設計。下面就從這個角度進行一定的剖析。
遠在原始社會，我們的祖先就已在生活中孕育了繪畫的胚胎，從已由仰韶文化為代表的新石器時期所產生的彩陶藝術所描繪的魚紋、人面紋及花葉紋等裝飾圖形，至明清時期的文人繪畫，我們會發現從原始社會的圖形符號一直到封建社會晚期的各類繪畫藝術，總有一些永恒的主題，而在這些主題之中，“形”的表現往往是中國歷史藝術家借以傳情達意的一種外在形式，也就是古代畫論所說的“以形傳神”、“借物詠志”。中國畫藝術家在表現某一種自然物象時，更多地是注重與“形”所蘊涵地精神意義，而不是對自然物象作物理形態的外形模寫。正因如此，中國傳統繪畫藝術在自然物象的描繪中往往融入了更多的“理性”色彩，將自然物象之形抽象為一種圖式化的符號語言。
花卉藝術設計范文第3篇
我校的“電腦美術專業”主要面向成人學生培養三維設計人員，基于學生狀況和市場需求，我們將該專業的培養目標定位為培養具有一定美術基本技能和計算機技術的三維設計人員。一般來講，這方面的人才需要具有一定的美術基礎（藝術能力），否則在制作場景、模型或特技時，很難設計出符合設計要求的作品。
基于我校的培養目標，我們將課程設置分為三大部分：第一部分為基礎課，主要開設素描、色彩、速寫、藝術概論等課程，培養學生的繪畫能力、寫實能力，提高學生的藝術修養；第二部分是專業基礎課，主要講授三大構成（平面構成、色彩構成和立體構成）、裝飾畫、攝影、透視等，并介紹Photoshop等平面設計軟件，這部分的教學主要讓學生掌握藝術的基本設計原理、設計的基本規律、設計的基本方法，內容安排上以淺顯易懂為主，要求學生在完成手繪作業的同時，用相關的設計軟件完成一定數量的課程作業；第三部分為專業課，這部分的教學在講解三維軟件（Maya）的同時，分階段完成各類藝術作品的設計。
本文以三維軟件（Maya）為例，討論基礎繪畫在藝術設計中的教學意義。
一、藝術技巧與技術的平衡
這里講的三維藝術可以是靜態的也可以是動態的，但是它的總流水線可總結為：建模、動畫角色、材質紋理、燈光和攝影機、效果、渲染和合成，可以看出一套工作方案是需要團隊合作的。同時，我們可以看出基礎繪畫的相關知識貫穿于流水線的每一個部分，掌握藝術技巧和技術技巧的平衡是十分必要的，二者是相輔相成的。從根本上講，設計者必須具備兩個能力：創造新事物的能力和表達設計思想的能力。拓寬繪畫和藝術欣賞力可提高設計思想能力，而電腦能力又可激發設計者的靈感創新能力，二者的平衡即可完成更完美的藝術作品。
二、基礎繪畫在藝術設計中的教學意義
從教學意義上講，引進計算機技術其實是藝術設計學科自身發展的需要，數字藝術設計實質上是科技發展的產物，對藝術設計教育有著很深刻的意義。然而，電腦畢竟不是人腦，人在繪畫創作過程中與觸摸感、線條、色彩的運作所產生的直接性、隨機性、親和感以及繪畫動作的速度、節奏感帶來的愉快是電腦所不能給與的。可見，基礎繪畫技能及藝術欣賞力在三維設計中的運用是十分重要的。
1.徒手繪圖能力在藝術設計教學中的運用
計算機雖然可以在屏幕上精確地表示形體的點、線、面，但它不能完成作品構思設計階段的設計思維的模糊性和隨機性，也不符合設計階段的設計表達，無法替代創造性思維活動。對于缺乏想象構思和創造能力的學生，利用設計手繪稿的訓練，即圖示思維的設計方式，可以有效地提高和開拓學生創造性的思維能力。
在教學實踐中，首先要讓學生完成一定數量的手繪初稿，讓他們將頭腦中的形象勾勒得愈加豐滿后，再進行角色的形象設定、場景設定、色彩稿的制作，然后才可以上機完成美術作品。
在整個創作過程中，手繪這一環節是很重要的，手繪稿的完成完全依賴于基礎繪畫課程中繪畫技能的訓練。學生剛開始設計作品時，并不認同這樣的做法，認為手繪是在浪費時間，但是當他們完成一定數量的手繪稿后，才發現許多成熟的作品就是從最初模糊不確定的構思通過手繪修改得來的。如圖1和圖2所示，從手繪稿和最終作品的對比可以看出設計者手稿的重要性。
手繪設計稿的訓練，無疑是培養學生形象化思考、設計分析及方案評價能力、開拓創新思維能力的有效途徑。手繪能力的提高來自于基礎繪畫中素描和速寫能力的訓練，在教學中，學生經過訓練可以深刻認識到：基礎繪畫是藝術設計的基礎，對作品主題的選擇和定稿有著很重要的意義。
2.造型能力的培養
Maya軟件利用數學理論中的點、線、面來完成角色的三維模型，角色模型制作的好壞主要取決于設計者如何把握角色的造型特點，即“角色”的“基本型”的捕捉。這種基本型的捕捉能力主要來自于基礎繪畫中素描、速寫技能的培養，即在完成素描作品時，畫面的比例、動勢和體積的關系合理協調。如果說素描是用手中的畫筆通過線條來描繪作品的三度空間的效果，那么Maya軟件就是利用計算機通過點、線、面來塑造角色的。在實際教學中，首先讓學生學習使用軟件的基本方法，然后制作角色模型，制作模型的前提是要求學生熟悉角色的生理結構，一個角色形象可能很夸張，但這種夸張必須建立在對角色準確把握其生理結構上，這樣設計的角色造型才能生動，打動觀看者。
如圖3所示，這是烏克蘭的一位數字藝術家的三維作品“Giraffe”，這個長頸鹿的形象非常的可愛，很吸引人，它的形象被人性化，變形雖然大膽夸張，但是我們可以看到這樣的變形是根據長頸鹿的基本生理結構而變化的。
如圖4所示，在人頭部建模的教學中，人的頭部的顎骨、顴骨、下頜骨和顱頂后腦勺這些骨點面片相互組合而構成。在制作中，角色人物的“五官”比例、頭部面部的分布直接影響角色模型的靜態藝術效果和以后制作動畫的布局，另外人種的不同也直接影響到人物面部五官的比例。圖4是歐洲人的頭部模型，大家可以看到與亞洲人的骨骼分布是有區別的。教學時，學生開始不太理解人頭部的塊面分布，后來將素描教學中的造型知識用于三維設計的教學中，學生能夠理解兩門學科的關聯性，并利用這個特性完成自己設計角色的造型。
3.色彩的運用
造型藝術是通過形象來表達思想內容的藝術。塑造形象需要有點、線、面、色彩等因素，如果沒有點、線、色塊等諸種造型要素，任何形象是無法塑造的。色彩是數字藝術的重要元素之一，它能產生獨特的心理效應，令作品產生先聲奪人的效果。在三維設計的教學中，我們利用基礎繪畫中的色彩知識要求學生在三維設計的渲染模塊中學會綜合運用顏色、光照、輪廓、外形和構圖等技能來做好場景模型、創建紋理映射、進行燈光位置的設定及合成場景，這一部分的教學不僅要介紹色彩、紋理貼圖，還要介紹燈光、攝影的知識，因為我們對色彩的感覺認識完全借助于光線。
由于數字藝術作品的色彩受軟件技術的影響，不同于繪畫中色彩的使用全憑藝術家主觀對色彩的把握，作品的創作需要藝術家借助于燈光、材質和環境制作理想的色彩效果。有些燈光會被吸收，有些則被反射，光亮的地方可以直接反射光線，而粗糙的物體則是散射光線。例如，Maya造型被反射的光線不會照亮其他表面，但是在制作中可以設置材質和紋理，用來模仿真實世界的表面光線反射，這種真實圖像的創建必須設置所有的材質，如顏色、鏡面反射、反射率、透明效果及表面細節等。
可以說，這部分內容的教學是學生所學知識的總括，即將基礎繪畫中的色彩知識應用于三維設計中并完成作品，是對學生綜合能力的訓練。
花卉藝術設計范文第4篇
論文摘要：傳統繪畫基礎和藝術設計基礎教學的關系，強調藝術設計繪畫基礎教學的目的性。在藝術設計的繪畫基礎教學中，注重學生的創造性思維和創新能力的培養，運用恰當的評價方法，培養學生的學習興趣，使學科發展更規范、更完善，為社會培養更多更優秀的藝術設計人才。
近年來，隨著藝術設計專業的升溫與發展，作為美術教育的重要組成部分的繪畫基礎課在藝術設計教學中卻得不到應有的重視。究其原因，主要有以下幾點：
美術教育中的繪畫基礎課教學絕大部分是堅持機械地照搬現實的原則的，很少在教學中要求學生的創作與創新，與設計專業重點培養和開發學生的創新已設不合拍。
在設計教學中往往將繪畫基礎課作為設計專業的附屬課程，其重要性自然要大打折扣。
實際上，藝術設計中的繪畫基礎課教學是在美術教育中的基礎課教學基礎上做更高的要求，不僅要認識和了解對象的形體、色彩、結構等特征，更重要的是要將組成對象本身的元素進行提煉和概括，轉換成設計語言和元素進行創新的排練和組合，新城區別與原有對象的新的視覺形態，這實際上就是一個創作的過程。不能輕易認為用繪畫造型可以替代藝術設計中的造型基礎，從而忽略藝術設計造型基礎的獨特個性。藝術設計中的繪畫基礎教學定位的是否準確，直接影響到我們藝術設計教育培養目標的實現。
素描、色彩，是所有學習美術專業學生必修的基礎繪畫課程，在藝術設計教學體系中，把它們作為基礎繪畫教育課程，有我國多年藝術教育的歷史原因。長期以來，素描、色彩課程一直被認為是一切造型藝術的基礎，但在學習設計的過程中，大多數學生很難把基礎繪畫課和設計專業結合在一起，只注重繪畫寫生和技法的訓練，而忽視藝術設計的專業性，牽制了學生設計思維的發展。在過去，我們的藝術教育強調基礎，強調繪畫功底，在這種情形下著實培養了一批批寫實功夫和藝術表現力過硬的畫家，以至于這些畫家至今還陶醉于花費數月表現一個比真的還真實的手工繪畫作品的滿足感受中。現在的書店里，我們會經常看到一些素描、色彩書籍被命名為“正規畫法、正規范畫”的字語，難道除了他們的畫法外，其他人的繪畫風格都是旁門左道嗎?何謂“正規”，藝無止境，但凡形成一定的范式或風格，即是走到了終點，接下來就是必然要打破它，超越它，這樣藝術才能進步，我們才能創新。如今是一個數字技術、多媒體影像可以輕松去復制作品，可設計藝術卻不能去重復、去拷貝，因為設計追求的是原創性和創新性;目前我們的創新設計、原創設計和國際上一些優秀的設計相比顯得有些滯后，看看近年來一些產品造型專業的萎縮狀況，一些大型的優秀建筑環境藝術設計、服裝設計都來自于國外的設計師即可而知。我們的一些設計師的創造力相對就顯得有些蒼白，這是不是過分強調基礎忽視創造力培養的結果，是不是所謂“正規”的繪畫基礎教育造成的?這就需要每個從事設計藝術教育工作者重新思考、重新定位我們的“繪畫基礎”和功底的了。
傳統的素描、色彩繪畫基礎課的教學內容強調物體的造型、色彩搭配、明暗調子、質感、體積、透視關系等方面的要求，這在傳統繪畫教學中能體現出其合理的教學目的性，因為那畢竟是在培養畫家;但在現在的設計教學中如果還過分強調虛實、強調素描明暗調子，而忽略藝術設計教學目標的目的性，忽視對學生創造性思維和創新能力的培養，花上過多時間去進行追求光影的虛實和物象的體積、質感的表現時，會不會覺有些得太奢侈，會不會有好的教學效果呢?既然我們培養的是設計人才，而不是畫家、藝術家，那么它的必要性又有多少呢?一味的對著物象去表現、再現，對著石膏像磨來磨去，會使我們學生失去自己敏銳的觀察力和表現力，更談不上創造、創新了。所以把傳統的繪畫基礎課放在課下，把能培養學生快速造型的設計素描、設計速寫、設計色彩放在教學首位，不失為一種目的明確的基礎訓練。
首先應當培養學生的觀察能力，如結構素描練習中的理性分析作圖，表現可見與不可見的關系等;其次培養學生的表現能力，除了傳統光影調子的表現外，還應提倡學生個性獨特的表現方法，不可用抽象、具象來評判學生作品，應看重他們的真實情況與獨特視角，并鼓勵他們能用語言來表達創作體會，注重啟發和引導學生提高審美意識和藝術表現的獨立性;最后，是培養學生的創新能力，從靜物的自由組合練習到想象默寫及意象創作。有了這些方法或步驟的練習，我想培養出的學生才能更適合于不同的設計領域，才能培養出更多富有創新思維和創新能力的藝術設計家。如今，年輕人價值取向多樣化，審美趣味多元化，這樣的課程練習對于學設計的學生也許會更受歡迎些，畢竟“興趣”是學習的第一原動力，是成功地完成某件事情的重要因素，培養和提高學生的專業興趣，是藝術設計專業基礎繪畫教學中不可缺少的內容和重要環節。另外在教學中需要教師注意的問題是，不可過于看重結果，注重對學生日常學習和發展的評價，注重學生的學習體驗。在學習過程中及時給予評價和反饋，鼓勵學生的創新意識;有時，由于我們教師審美口味的不同，沒有很好地與學生進行溝通，沒有很好的評價標準，片面性的評價可能會挫傷許多學生的積極性，提高課堂的學習氣氛和提高學生的學習興趣是我們教師首先要解決的問題，只有做好觀察與溝通，把握好學生的個性特征，雖然每個學生的特性不同，但我們的每個學生卻都是有可培養性的。
我們只有正確地把握傳統繪畫基礎和藝術設計的繪畫基礎的關系，運用正確的評價方法，鼓勵、培養學生的創新意識和創新能力，才能正確把握藝術設計基礎教學的客觀原則，使學科發展更規范、更完善，為社會培養更多更優秀的藝術設計人才。
參考文獻：
花卉藝術設計范文第5篇
關鍵字：基礎繪畫；學習
當下的藝術設計專業以實用性強、就業范圍廣，在新興專業中比較熱門而居各高校中的首位。在這一專業中，尤其是針對電腦的操作，軟件的升級更加的人性化，越來越多的學生認為只要把電腦軟件學好了，基礎差，甚至沒基礎是沒有關系的，短期發展，看起來這完全沒有問題，是可以做設計的，長期這樣一種狀態而言，難成大器。設計的好壞，最終結果會回歸到傳統的這個問題，那就是基礎。要想設計出更好，更加經典的設計作品，就必須得回歸傳統，從基礎繪畫入手，培養我們這些方面的能力。
一、學習基礎繪畫的方向性
設計類專業的同學在大一進校門時都會接觸一個階段的基礎繪畫的訓練，主要以素描、色彩為主。而這些課程在不同的專業已經有了一些方向的轉變和延伸，以便能更好的為后期的專業核心課程的學習服務。素描，包括人物素描、設計素描兩大類，一些專業還會有速寫課程，這些都作為一個基礎中的基礎課程來學習。主要培養我們的造型能力、觀察能力、表現能力及創意思維能力。色彩課程方面，不同的專業傾向點不同，有靜物色彩、風景色彩等，主要培養色彩的修養及表現力，為后期專業的色彩認知做準備。而審美能力的培養是通過對美術史上的經典作品的學習及平時實踐能力的培養而融合在整個階段的學習過程中了。認識到課程的學習目標，我們便有清晰的畫畫方向，也會增強我們對基礎繪畫的正能量，會有事半功倍的效果。下面具體從觀察方法，造型能力、創意思維能力、色彩的修養及審美的提高五方面來具體分析學習及掌握的方向。
二、科學的觀察方法
培養成創新實用型人才是設計類專業當下的目標。創新實用型人才首要培養的是我們的觀察能力，怎么來觀察，怎么去認識，影響到你的作品，也決定了日后的創作角度，我們需要用正確的觀察方法來觀察對象，并且需要培養我們整體觀察的能力。因此，觀察方法很重要。有了觀察能力，我們就能從萬事萬物中發現事物本身的特點，可以歸納成自己的語言。而觀察能力的培養主要體現在我們的基礎繪畫學習中，尤其是素描的學習。在我們進入大學的時候，很多學生的觀察方法是有些誤區的。正確的觀察方法首先要從整體入手，局部比較，再回歸到整體。尤其是畫面的安放位置、整個繪畫對象給我們帶來的感受是需要備受關注的，這要求我們在畫畫時，必須相信自己的眼睛，相信自己看到的事實，在畫的過程中會訓練我們及時調整局部和整體的對比觀察，學會同類比較，把我們主觀的認識和客觀的觀察做比較，會發現一些不同于以往認識的元素，提高我們設計類元素的積累，這個訓練將會使我們的觀察產生一次質感的升華，對后期專業設計的學習會非常有益。
三、造型能力和表現能力
造型能力是培養中不可或缺的一個重要部分。懂得了觀察，不懂得怎么表現出來，也是沒有成果的，這關系到傍觀者怎么欣賞，怎么能讓其他人知道你的想法，這個時候，表達能力，就顯得非常重要了。表現的是不是心中的那個感受，就對造型能力有了更高的要求了。曾有大師這樣評價，在設計領域，設計，軟件決定了你的下線，繪畫決定了你的上線。作為設計專業的我們需要掌握一定的技法能力，掌握一定的表現手法，甚至要求我們挖掘適合自己的個性表現方式。在表現形式上有了一定的基礎后，我們便可以站在基礎上來做創新。讓我們表達自己的創意時更加的心手合一，在表現方式上也能準確自如的表達我們內心世界的想法，成為我們自己的表達語言。
四、創意思維能力
只會繪畫的人也許可以從事美工，但會繪畫并且會設計思考的人那就是設計師了。創意對我們設計專業是不可或缺的。在專業的基礎課程學習中，它將成為一個思維演變的過程。設計素描、設計色彩是藝術設計專業由基礎繪畫轉向專業設計的過渡，是培養我們創意思維方面的一個便捷的徒手繪畫。一般我們不經意間接觸的事物，可能會激發我們的靈感，形成有創意的作品。但靈感是稍縱即逝的，因此，在設計素描、設計色彩課程的培養中，根據學生獨特的興趣點，發散我們的想象和思維，培養我們的創意，從一個物體出發，延伸出更多的聯想和想象，這種課程的訓練會使我們的思維角度大大拓寬，面對不同類別的事物，會有一套自己的思維模式和方法，創作出有內涵、有思想的作品。
五、色彩的修養
色彩在設計類專業中是一個無可替代的設計要素，是表達創意的一個強大的組成部分，它具有很強的情感特征，有著非常強烈的感染力。我們所面臨的專業需要色彩實用性更強，就這一點，就需要我們提高自己的色彩修養，能根據各個不同的領域搭配適合的顏色。針對這一目標，前期我們所學習的色彩及設計色彩課程主要是為后期設計中的色彩搭配服務的，在這一基礎階段，我們主要通過實踐練習來認識色彩，提高色彩的修養。認識色彩的特性，比如冷暖、前后、輕重等等關系，感受同種色相下明度、飽和度不同所產生的視覺效果，掌握色彩空間的獨特體現方式，掌握各個不同顏色的心里效應，通過了解各個時期派別的特點了解色彩的歷程，通過平時的練習來培養、激發自我的色彩情感，培養出具有個性審美特征的色彩元素，提高色彩的修養和運用能力。
六、審美能力的提高（時代審美精神）
具備最基礎的藝術素養是我們做好設計的基本條件。同時這一點也直接決定了設計作品的成敗。而審美能力的提高，會讓我們的藝術眼光更加的敏銳，從而可以從生活中的萬事萬物來發現美、提取美的元素。而在基礎繪畫學習的過程中，培養審美能力是貫穿于整個過程中的，是通過我們接觸的作品背景、評價等等和平時的繪畫練習來提高我們的審美的。學習基礎繪畫的過程中，會接觸到很多關于構圖、色彩的冷暖、明度、肌理、造型、質感等等很多元素，這些元素的運用與經營，手追目思，審美價值就在這些學習和訓練中形成。[1]藝術是來源于生活而高于生活的，中西方無數大師的經歷告訴我們，真正的藝術是來自自我內心深層次的挖掘的。正確的觀察方法、造型表現能力、色彩的修養、創意思維、審美的意識等等這些都對我們設計的產品有著非常重要的影響，而這些意識、修養是需要經過基礎繪畫的鍛煉，長期的耳濡目染才能做到的。我們必須理論結合實踐同步進行，才能讓我們的設計站在一個高的基點上，做出更好的設計。
作者：吳美雙 單位：西安交通大學城市學院
