陶藝的文化與藝術修養
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陶藝的文化與藝術修養范文第1篇
關鍵字：環境陶藝；公共藝術；校園
公共藝術總體設計的作用就是制定公共藝術圍繞公共環境藝術設計，公共設施與環境藝術設計，藝術設計，城市公共藝術，大學生公共藝術，公共管理等藝術成為一個整體，使公共環境藝術設計表現出更好的人文氣息。[1]環境陶藝作為公共藝術的一個重要表現形式，一直受到人們的關注和青睞，并在城市公共藝術中扮演著重要的角色。本文將重點討論如何才能將環境陶藝運用于校園，并用以表現和襯托出校園本身的文化氛圍。
1 環境在校園中的應用中面對的問題
每一個場所都會因為自身自身所處的地理位置、社會職能、場所職能的不同而形成不同的場所精神。校園作為最主要的文化公共場所之一，更是城市公共藝術整體中不可或缺的一環。因此，在校園公共藝術的設計上就更應當注意其中的文化性，應當表達出校園本身具有的文化氣息和文化精神。由此引出環境陶藝引入校園公共藝術之中的一些問題。
首先，環境陶藝需要注意和周圍空間環境的融合。陶藝作品作為校園公共藝術的標志，不僅僅需要注意到自身造型的美感，更應該注意到它與校園內其他建筑或自然景觀風格的關聯與統一。
其次，環境陶藝在校園中的應用還應該使得校園內的人文內涵得到體現。作為文化公共場所的校園是一個特殊的文化場所，陶藝作品作為校園公共藝術的表現形式需要以自身的藝術形式表達出校園獨特的人文環境，并將校園文化和地域文化與之聯系起來。
因此，環境陶藝在校園公共藝術中的應用歸根揭底是需要將陶藝作品元素的表現與校園環境以及校園文化聯系起來。環境陶藝的目的是是尊重環境、美化環境。環境陶藝作品不僅僅要在視覺層面上與所處的環境統一起來，在人文層面上也應該和所處的歷史、文化成為統一的整體，只有這樣才不會脫離環境。
2 環境陶藝應用在校園公共藝術中的獨特優勢
2.1 陶瓷材料在物理上的優勢
第一，陶瓷材料在不僅造型上具有優秀的可塑性，表面肌理也豐富多樣易于控制。燒成后的成品天然的形成具有各種不同的肌理與質感，它能夠很好的保留住將制作過程中所產生的痕跡，使得陶藝家在創作過程中和陶泥的每一次接觸都能被忠實的記錄下來，更能將材質本身所蘊藏的自然肌理及美感淋漓盡致地表現出來。
第二，在成色上，豐富多變的釉色更是陶瓷材料最大的特點。陶瓷材料在燒制成型后具有較穩定的物理化學性能，方便保養與維護。而在經過施釉燒制后，燒結過的釉面能更好的能保護陶瓷材料，使陶瓷具有不易滲水，抗壓、抗腐蝕、耐熱、耐光照、防風化的性能，并且色澤能永保鮮艷，能夠適應戶外惡劣的環境。
2.2 陶瓷材料的藝術表現力上的優勢
其一，陶瓷材料出自天然，具有“泥性”之美，在經過人類加工之后，相比起金屬，塑料和水泥等人工材料，能更自然的烘托出作品的氛圍，同時也能更好的將人文環境和自然環境連結起來。
其二，經過高溫窯火燒制而成的陶瓷釉面能呈現出豐富多彩的色澤變化，使得環境陶藝作品的色彩更加豐富、立體。然而陶瓷釉面的這種豐富的自然變化又具有隨機性，使得環境陶藝作品更具有神秘色彩和不確定性。
第三，在制作環境陶藝作品過程中，在陶藝家和粘土之間“交流”時所留下的“手語”痕跡使得陶藝作品擁有了豐富的肌理構成。這些肌理往往能使人在觸摸到環境陶藝作品前就能產生除視覺感知之外的觸覺聯想，讓人聯想到觸感的松軟，緊致，細膩，將材料的自然特性完美的表達出來，將視覺和觸覺的美感結合如一。
3 環境陶藝在校園中的應用形態
環境陶藝在校園中的應用形態可以總結為三類，包括了陶藝壁畫、陶藝景觀小品已經陶藝裝飾。
3.1 陶藝壁畫
在校園公共藝術中，環境陶藝壁畫既可以應用于建筑物的外墻，亦可以用于內墻的裝飾。它利用各種肌理或者淺浮雕效果進行裝飾，相比起瓷磚具有更強的立體感。環境陶藝壁畫通常能夠通過較大的體量和豐富的釉色給人帶來一種視覺上的沖擊力，具有很好的裝飾效果，也利于作品主題的抽象或具象表達。
3.2 陶藝景觀小品
陶藝景觀小品是以單體或者群組的形式出現的一種改善室外公共空間環境的藝術形式。環境陶藝的這種形態相比起陶藝壁畫與人們的距離更近，因此更需要注意作品與周圍環境的和諧。需要設計師自身的個性以及藝術修養使得公共空間的美感得意改善，從而滿足人們對于公共空間的審美需求。
3.3 陶藝裝飾材料
陶瓷常常被應用建筑物的內外墻或者室內外的地磚上，是一種具有優異的物理化學性能建筑裝飾材料。而陶藝瓷磚相對于其他工業批量生產的產品，造型則更加靈活并具有豐富的肌理和多變的釉色，視覺效果豐富。因而不會給人一種呆板和機械的印象，相反由于陶瓷材料表面往往能保留下藝術家與粘土之間“交流”時所留下的“手語”，更會給人一種細膩而柔和的觸覺感受，更容易使人親近。
4 環境陶藝與校園公共藝術的結合
環境陶藝要融入校園空間成為校園公共空間的一個部分，不僅取決于自身藝術素質的高低，更要與校園公共藝術空間的特殊性相結合。要考慮到學校的獨特位置，歷史，傳統，特殊事件，建筑特色等等。
首先，環境陶藝作品必須被校園環境中的人所認可并接受。環境陶藝最基本的訴求是具有公共性。[2]它并不是藝術家或設計師個性或個體的個人行為，它需要被大眾認可，并使得大眾能夠參與其中。因此公共藝術需要尋求大眾審美與藝術審美之間的平衡之處，這樣才能創作出兼具藝術性和公共性的公共藝術作品。
其次，陶藝作品本身的藝術造型的建構意蘊主題必須是完整、清晰、具有充分的表現力和內在藝術張力的。[3]環境陶藝作品是為了美化空間環境，滿足公眾的審美需求而設置的，這種需求不僅僅是視覺層面的，更多的是精神層面的。因此環境陶藝作品中需要的更多的是藝術家所注入的思想，只有具有了主題內涵，作品才能完整，也才更能深入人心，成為校園文化的一部分。
參考文獻
[1] 郭賀銘，淺談公共環境藝術設計，《中國新技術新產品》[J]，2010
陶藝的文化與藝術修養范文第2篇
陶瓷山水畫的問世并發展至今，與中國畫有著不解之緣。因為就目前的陶瓷藝術創作而言，其形式主流還是國畫風格的。無論是從形式還是內涵來看，都是國畫風格在陶瓷材質上的表現，或者說是以陶瓷材質為載體，以陶瓷的釉、顏料為表現手段，以國畫的技法來表現國畫的一種神韻，說白了，就是陶瓷國畫藝術。尤其是陶瓷山水畫的創作，國畫表現技術手法可以說展現得淋漓盡致。因此，從一定意義上來說，陶瓷山水畫的發展，在一定程度上折射出中國山水畫的藝術成就。
一、中國山水畫的發展與陶瓷山水畫的朱源
中國山水畫歷史悠久，光輝燦爛。隋唐以來歷朝畫家層出不窮，作品豐富多彩，蘊含著中華民族文化傳統、藝術哲理和審美思想，豐富了我們歷史文化與現實生活。隋、唐兩代的水墨重彩、兩宋的工筆極致和兼工帶寫意的初創、元墨法山水畫帶來的繁榮在明、清兩代己達空前鼎盛，對現代山水畫的發展產生了深遠的影響。陶瓷繪畫正是伴隨著中國畫的發展而發展的，從遠占的刻劃、點彩、褐彩發展至元代的釉下青花，明明釉上彩材料和釉上彩裝飾，清代創新的釉上五彩和粉彩，為陶瓷山水畫的發展奠定了堅實基礎。清末民國時期由于文人畫家的參與，釉上彩山水畫大放異彩，同治時期開創的淺絳彩山水畫，代表釉上彩技法的成熟；現代陶瓷藝術家們在釉上彩材料日臻完善、豐富多彩的情況下，用藝術的眼光，發揮造型和筆墨技巧，把釉上彩山水畫的彩繪藝術發揮到新的藝術水平，創作出一大批賞心悅目的山水畫藝術珍品。
二、陶瓷山水畫的特性和要求
陶瓷山水畫藝術與其它繪畫藝術一樣有許多相同之處，也是相互影響和借鑒，在思想上體現時代精神，培養人們高尚的道德情操，滿足人們的審美需要，成為陶冶精神文明，構建和諧社會的文化藝術品，成為建設具有民族風格和民族形式的彩瓷藝術。作為工藝美術創作人員必須不斷提高社會職責感與藝術修養，必須堅持深入實際，多寫生、勤速寫、苦練藝術眼力，做到身動、心動、手動，達到眼容心靈所感，手動隨心所欲，所畫景物形象使人觸目，獨成一格。要師法創新、取其精華、去其糟粕、博采眾長，外師造化、長期苦練、親身實踐、博學修藝，多參考學習陶藝大師的優秀作品和繪畫技巧，才能創作出引人入勝，形神兼備的優秀藝術作品，以最少的筆墨來達到最完美的畫面意境，利用空白的處理來達到瓷質的潔白之美感。在山水畫的構圖上，要與陶瓷造型和諧一致，采用賓主、虛實、呼應、開合等法則，既符合美的規律，也符合人們的欣賞習慣。在欣賞這樣的陶瓷藝術作品時，才能使人胸懷寬暢、通達，滋生對祖國錦繡河山的熱愛和自豪感，豐富人們的文化藝術生活，提高人們的審美情趣。
三、陶瓷山水畫的創作手法及意境
陶瓷山水畫強調主觀的加工取合，概括集中，抓住主要的本質的東西，也就是抓住它的主要特點，對重點突出的形緣刻畫入微。陶瓷山水畫不是自然描繪，應刪繁就簡，對不需要的旁枝末節，大膽簡化，留有空白，更富有想象力。陶瓷山水畫，可以根據內容表現的需要，不受時間、空間限制。構圖的來源是，豐活，是眼界，是修養，是格調。構圖具有極大的靈活性，因為陶瓷山水畫同中國畫…樣使用獨特的散點透視法。用這種透視法來展現絢麗多姿的世間萬物，給陶藝家帶來極大的自由性和靈活性。它不受時間和地點的限制，不求物體具象，只求構思和形象入“理”。欣賞陶瓷山水畫作品的藝術水平的高低，不同時代有不同品評標準。張懷瑾提出了“神、妙、能”三品，朱景玄提出了“神、妙、能、逸”四品，黃修復則強調“逸、神、妙、能”四格，張彥遠定了“自然、神、妙、精、謹細”五品級。不論足神先逸后，還是逸先神后，都說明中國畫始終追逐著高品位，充滿看美學意識，自我意識。在借鑒傳統的基礎上艱難探索，力求形成個人高雅的風格，呈現出更加自然的氣息。此外，欣賞陶瓷山水畫還要遠觀其勢，近取其質。利用不固定的視距、觀其物象。遠看大勢氣韻，近看點線質量等等。
陶藝的文化與藝術修養范文第3篇
關鍵詞：傳統工藝；藝術設計；教育；傳承發展
世界文化需求的多樣性的和民族精神的堅韌性決定了未來的文化發展方向仍然是民族性與世界性相融合的多元體系。中國傳統文化底蘊深厚，經過歷史的洗滌煥發出更加璀璨的光芒，與西方工業發展相伴而來的生態危機及由此展開的對人與自然環境的關系的思考，使得天人合一這一古老深刻的哲學思想重新登上現代文明發展的大舞臺。同時，一些精華的傳統工藝思想也將起著至關重要的作用，對現代設計藝術的發展更是重要，展現世界文化與民族文化的多樣化，探討造物意識的功能與審美，進一步思考人與自然的關系、器與道的關系。中國當代設計藝術必須順應未來文化發展的潮流與方向在傳統文化的基礎之上動態地進行才能保持可持續發展，而設計師則更應該在本土傳統文化的陶冶下，更好的繼承和發展傳統工藝。
1 中國當代設計藝術中傳統文化的匱乏
從世界藝術發展史來看，文藝復興標志著中西文化在世界文化領域的主導地位發生了轉變，在此之后，歐洲各民族文化逐漸取代了以中國為中心的東方文化的主導地位，開始對科學和藝術的發展起著主導作用。在當代，西方思潮已強勢占據正處于文化蘇醒期的中國設計界，而一切設計以西方的構成法則和形式作為基礎準則，使得本民族的設計藝術僅僅滯留在對西方設計模式的模仿，從而邊緣化、陌生化本民族文化，對本民族文化精神的寄托和對設計的拓展的思考極度缺乏，從而最終阻礙本民族文化的繼承和發展。在當前設計實踐中，對傳統文化的技術與器物進行借鑒，且多是直接襲用外觀形狀或紋樣，而其深層的精神內涵難以得到挖掘和展現。
在當今高校設計教學中側重于應試教育思想，高校藝術設計教學中的文化教育比例嚴重偏低，甚至將其視作設計的全部；而中華文明史、藝術設計史等課程一般作為輔助課程，且授課中只是單純對作品自身的成就進行探討，沒有從文化精神更深層含義上進行系統的研析，因此，與技法課相比較，藝術理論課程沒有得到足夠的重視，就好像相比于文化的價值體系，技術體系顯得更為“直接”與“實用”，傳統的思維方式、意識形態、以及審美情感等之于作品顯得毫無價值，這從本質上來講是器與道關系的思想辯證。總而言之，沒有精神內蘊的作品僅僅停留在物的外在狀態，而具有文化內涵的物則是主觀精神的外在表現，包涵著超越于物的文化價值。另一個原因，中國古今教育重心的巨大差異。中國幾千年教育的核心是育人，而非謀生，《大學》作為儒學經典之一，開門見山第一章就明確了人格修養的全過程，即致知、格物、正心、誠意、修身、齊家、治國、平天下。在古代，上至天子下到庶民，都是以修身為根本，將技能排在之后。然而在現下，由于時代的發展和社會制度的變遷，一切都以生存為基礎，現代的教育也多以培訓謀生技能為主要目標，而設計行業也首先是謀生手段，“文化無用”說也由此產生。
2 傳統工藝在藝術設計教育中傳承發展對策
中國高校的藝術設計專業從傳統的工藝美術教育中脫離出來的，因此它與傳統工藝美術有著密切復雜的關系。從20世紀70年代末開始，歐美發達國家的教育方式和教學理念傳播到中國，加之信息技術的高速發展和藝術設計專業的學生人數暴增，各種新潮的設計觀念、新科技、新媒體蓬勃發展，使傳統工藝美術在翻天覆地的變化中逐漸邊緣化和陌生化。熱度消失后，人們開始進行反思，并認識到現代藝術教育并不是虛無飄渺的，盡管可以參照和借鑒西方的教學模式，但是本土文化才是我們的血脈和標志，才是文化可持續發展的根基所在。最近以來，不少大學把陶藝課程作為藝術設計專業的補充，并在學生中獲得良好的反應。《全國學校藝術教育發展規劃（2001―2010 年）》中明確指出：“藝術教師應充分利用和開發本地區、本民族的文化藝術教育資源，重視現代教育技術和手段的學習和應用，逐步實現教學形式的現代化、多樣化，擴展藝術教育的空間，提高藝術教學的質量。”因此，換個方位觀之，當前的藝術設計教育制度為傳統工藝美術的繼承和發展提供了充分的空間。
2.1 從精英教育到普及教育
當代的高等教育已經由精英教育轉變為普及教育。現代藝術設計教育制度的完善發展，需要普及到社會的各個角落，不應局限于高等藝術學院內，也不應局限在藝術設計專業內。隨著我國教育的大力推進，特別是藝術設計教育的迅速發展為普及傳統工藝美術帶來了新的機遇和創造了更好更大的發展平臺。在這個過程中，國民的藝術修養得到全面提高，文化遺產保護意識得到大大增強，極大地提升了對本名族傳統工藝美學作品的鑒賞能力，對工藝技藝的承繼也起著關鍵性作用。
2.2 增加相關課程比重
對高校藝術設計專業課程的調查發現，在當前高校的課程設置中，與傳統工藝美術有關的課程極為少見。對于教學方式陳舊、與現代設計教學理念不匹配的課程進行改革，增加具有中國審美形態和生活方式的選修課程，諸如剪紙、天然染織、陶藝等需要動手的傳統工藝課程。筆者在最近幾年的教學實踐中發現，以民間文化、設計、美術為標志的工藝美術課程，如今已有不少反戰，不再是簡單地模仿傳統藝術形式，而是注意挖掘生活中的傳統美術元素，將傳統元素滲透到現代設計中。課程所傳授內容不是停留在固定知識上，而是給人帶來文化歸屬感。同時還能培養學生的創新意識，激發他們的設計靈感。另外課后同學將作品在公眾場合進行展覽，有利于在全校范圍內宣傳傳統工藝美術。
2.3 專業主干課融入，從形式到內涵挖掘
日本著名傳統文化設計大師原研哉在《設計中的設計》中曾經提到，“將已知事物陌生化，更是一種創造。”傳統工藝美術包涵著豐富的工藝技法以及原生態藝術圖形。這些圖形和工藝技法是人們在生產、生活實踐中的經驗的積累，體現了人類本源的思維意識。它們為現在的設計者提供了本源的設計思維，有利于激發他們的設計靈感和創新意識。根據當前傳統工藝美術相關課程與其他藝術設計課程相對分裂的狀況，筆者認為應當將傳統工藝美術的內容滲透到其他主干課程中。如可以在書籍設計課中對傳統書籍裝訂方法加以應用；在字體設計課中關注文字的來源、筆畫以及造字體系；在其他專業課程中對傳統元素的內涵形態加以應用，通過內涵形態設計，教師和學生對于傳統元素形態產生新的了解。在教學大綱的指導下，積極開展內涵形態設計教學。比如帶領學生到香格里拉、麗江、大理進行考察，在民族圖案考察和寫生的過程中，引導學生對不同民族的圖案的顏色、形狀差異及其產生原因進行分析思考，而不只是單一的臨摹或拍攝。
3 結語
當前，中國的藝術設計教育一方面希望擺脫西方的設計思想和教育模式的影響，從而建立具有中國特色的設計模式，一方面又無法與西方的模式完全相分離，這種搖擺不定的狀態還將在一個較長時期內存在。面對這種態勢，有效地解決渠道是將蘊涵著著豐富的中國文化精神的傳統工藝美術課程和現代藝術設計教育體系有機結合起來。
參考文獻：
[1] 周家樂.從形式形態到內涵形態的設計教學思維轉換[J].裝飾，2011（03）.
[2] 原研哉（日）.設計中的設計[M].朱鍔，譯.濟南：山東人民出版社，2006.
陶藝的文化與藝術修養范文第4篇
關鍵詞：剪紙藝術高校藝術教育發揚與傳承
一、剪紙藝術文化的內涵及現狀
（一）剪紙藝術文化內涵
剪紙藝術是以紙為加工對象，利用剪刀或刻刀進行藝術創作的一種鏤空剪刻形式，它講究線線相連與線線相斷、刀法穩準巧，目前主要流傳于民間手藝人或繡花作坊里的藝術品類。剪紙藝術種類繁多、寓意豐富、風格獨特、表象形象生動，從視覺上給人一種鏤空的感覺與美的享受，具有獨特的藝術魅力。剪紙藝術來自勞動人民對現實生活的感悟，豐富的圖形組合，反映了勞動者們豐富多彩的情感生活，同時也體現了他們對美好生活的憧憬及奮發向上的精神，因此，剪紙藝術代表著一種文化意蘊。尤其是在古代，每到新婚喜慶之日或春節，就會在家中各處貼上美麗的剪紙，以營造濃烈的氛圍。例如，“喜”字是剪紙藝術中常見的一種圖案，其設計也是層出不窮，多用于結婚這類喜事，且常常采用的是“雙喜”，寓意著人們對新人美好的愿望與祝福。除此之外，剪紙藝術也被充分的運用到人們的日常生活與物品裝飾當中。
（二）剪紙藝術文化現狀
剪紙藝術作為中國古老的一種傳統民間藝術，最早受到美術家們關注的是時期，當時在新型文藝政策的指導下，畫家們創作除了許多為服務的剪紙藝術，并以其獨特的形式鼓舞著人們的斗志、豐富著人們的思想與生活。但在當時剪紙藝術卻并未得到更好的保護與重視，直到我國“民俗學”的出現，剪紙藝術才得到人們的廣泛關注。然而近年來隨著人們生活節奏的加快，剪紙藝術文化的發展面臨著后繼無人的危險處境，因此，培養專業人才是繼承與發揚剪紙藝術需要解決的根本問題。
二、剪紙藝術文化引入高校藝術教育的重要價值
剪紙藝術作為我國非遺中的重要內容之一，在民間藝術中占有相當突出的地位。將剪紙藝術引入高校藝術教育中，這樣不僅能充分發揮民俗文化傳承教育的認知功能，豐富高校藝術教育形式與內容，激發學生對藝術學習的興趣與積極性，而且能加大培養剪紙文化繼承人與愛好者的力度，便于對剪紙藝術進行系統化的研究，進而達到振興與發揚我國民俗文化精髓的目的，使得剪紙人才的培養問題得到更加有效的解決。與此同時，對于藝術專業的學生而言，他們在學習與傳承剪紙藝術的過程中，其自身的設計理念、藝術修養與文化內涵也到了充分鍛煉與提高，對大學生的人文素質教育都具有重大意義。
三、剪紙藝術在高校藝術教育中的傳承路徑
高校擔負著傳授與延續傳統文化的重要職責與使命，立足剪紙藝術文化，充分挖掘民間剪紙藝術資源。將剪紙藝術引入學校的藝術教育中，并將藝術教育課程作為載體，向大學生普及剪紙藝術文化，一方面有利于提高剪紙藝術在高校藝術教育中的學科地位，另一方面有利于學生更加深入了解各類民俗文化，從而激發他們的民族自豪感與愛國情懷，促進學生人文素養的培養。
（一）建設剪紙藝術創新研發基地與實訓基地
剪紙藝術的傳承與發展，需要在吸收的基礎上不斷的進行創新，才能在市場中占據地位，并且滿足社會的發展需求。因此，將剪紙藝術引入到高校藝術教育中，首先需要建設剪紙藝術研發與創新基地，將學校擅長剪紙藝術的教師、學生聚集起來，通過召開專題研討會、作品討論、論文交流，達到共同研發、共同創新的目的，繼而推動剪紙理論與實踐研究的深入，加強剪紙專業人才的培養。此外，由于剪紙藝術屬于純手工工藝，對學生進行手把手的教授至關重要，直接關系著學生的學習成效。但由于剪紙藝術傳承人的年齡大都趨向于老齡化，且分布在全國各地，學校難以長期聘請其作為教師進行教學，為此，對于部分有條件的高校，可以在傳承人所在地建立剪紙課程實訓基地，在學生在校內學習完相關理論與基礎知識后，安排學生到實訓基地進行實訓，這樣通過理論教學與實踐訓練的有機結合，學生就能快速的掌握剪紙藝術的基本技能，從而為培養剪紙藝術傳承人奠定有利基礎。
（二）讓剪紙藝術文化走進課堂
課堂是傳授文化知識的重要場地。將剪紙藝術引入藝術專業的課堂中，比如，開設剪紙藝術選修課，將傳統藝術與剪紙藝術有機結合起來，在引導學生系統的學習相關理論知識與技能的同時，能夠借鑒與提取剪紙藝術文化中的元素，進行藝術創新設計，拓展學生的設計思維。在藝術專業課程中，如環境藝術設計、平面設計、數字媒體設計等多種專業課程中，都會涉及到剪紙藝術。在很多現代藝術作品中，都可以看到剪紙藝術的痕跡。剪紙創作可以根據內容的需要，將不同的時空、不同的物體之間進行巧妙的組合，從而形成豐富有趣且具有寓意的畫面。尤其是在剪紙藝術中有一大類題材是采用象征、諧音等手法，來表達人們的祝福，這類剪紙中充分體現了“圖必有意，意必吉祥”，具有一定的象征意味。而吉祥元素一直深受廣大藝術設計師的喜愛，也成為藝術設計能夠在市場占領一席之地的重要支撐。為此，在剪紙藝術教學中，可以引導從傳統的剪紙圖形中，提取其具有代表性與典型性的特征，并將其滲透到服裝設計、室內設計、包裝設計、商標設計、陶藝設計等方面，使得學生在傳承剪紙藝術文化的同時，將其巧妙的應用到其他領域中，促使剪紙藝術得到創新發展。在教學實踐中，我們可以首先利用多媒體課件讓學生欣賞一些優秀的剪紙作品，然后結合作品，并向學生介紹剪紙作品的文化背景，在此基礎上引導學生對基礎圖案、平面構成等相關知識進行分析，加強學生對剪紙藝術作品形式美的認識。比如，“拉手娃娃”的反復與條理、“雙喜作品”的對稱與平衡、“對馬團花”的節奏與韻律等，讓學生清晰的了解剪紙圖案的造型及特點，然后讓學生在借鑒的基礎上自行設計與創作。在剪紙的過程中，充分運用到學生所學習的設計方法，比如同構、替構等，這樣，在鍛煉學生剪紙技能的同時，也能讓學生將剪紙藝術與傳統藝術巧妙的結合起來，進行藝術的創新與發展，對于學生創造性思維的培養具有積極的促進作用。
（三）開展豐富多彩剪紙活動，激發學生剪紙興趣
在高校藝術教育中，以挖掘剪紙藝術文化資源為依據，通過開展豐富多彩的剪紙藝術活動。比如，組建興趣小組、組織學生參觀剪紙藝術展覽、建立剪紙藝術手工坊，還有聘請校內外相關教師、實踐經驗豐富的剪紙藝術傳承人通過現場教學、案例分析、專題講座、作品展覽等多種形式，對學生做專業的指導，讓學生得到體驗性美術實踐，這樣促使更多的學生參與到剪紙學習與創作中，設計并創作更多優秀的剪紙作品。同時，讓學生通過文化的熏陶，汲取更多的營養知識，提高自身的文化藝術素養與剪紙創作水平，從而剪紙藝術的傳承與應用成為新常態。
