藝術設計范文精選

一、藝術設計學的形成和發展

1.設計（即計劃）是造物過程的中心環節。它源于需求，規約制作，決定使用。由此可見，自原始時代人類開始制造工具以來，設計就是人類不可缺少的實踐活動。

2.產業革命迅速改變了手工藝者個人從事設計與制作的情況，出現了設計師這個新職業。造型計劃也隨之從混沌的生產關系中獨立出來，這才產生了設計學及其后的發展。設計學是研究產品造型及其環境的學科，旨在總結人類設計活動的經驗，以指導設計創作，創造某種體形環境。它的內容包括技術和藝術兩個方面。（有人反對用這樣的觀點來談問題，但學科細分化卻是科學發展的歷史事實。分化與綜合是有機不可分割的兩個方面，沒有分子的分化，哪來量子力學的發生和發展？）

3.隨著社會經濟的發展和對設計的關心逐步加深，設計對象不斷擴大。于是，造型計劃又有了更細的分化。

其一，造型計劃的性質有所不同。若將其按功能性、使用性或相反的無用性、無觀賞性的要求進行整理，則造型計劃的范圍如下表所示。

通常我們所看到的造型，多是對材料和物體進行組織或加工、綜合。這是專門研究“物與物”關系的機能造型和以“物與人”關系為目標的造型。前者的計劃主要在工學方面（基于工學的知識和技術）進行，例如齒輪、發動機、人造衛星等。而后者，則還必須考慮人類的身體和心理。即便是后者，又有把使用者的生理條件作為設計重點的，即把人作為活動的物體來處理，例如駕駛座的設計。以上，一般被稱為“工程設計”①。也有重視使用和接觸制造物之人的生理與心理條件的（即尋求心理的、生理的、物理的條件的均衡），例如衣服、家具、住宅的設計等。這種計劃常常不能用復雜的計算去解決，而更強調藝術感覺。此外，還有使用物體和物質來表現形象和色彩，以吸引注意，并打動受眾的心，傳達某種意義。此種情況是把造型作為作者與觀眾精神聯系的媒介，通過物來建立“人與人”的交流關系，例如宣傳畫、廣告等。以上，都被稱為“藝術設計”，余者則屬于“純美術”②。

一關于藝術與設計的概念反映

藝術為我——十分個性的自我表達行為。

設計為他——立足于解決人與物之間的關系問題。③

設計作為一種文化現象，它的變化反映著時代的物質生產和科學技術水平，也體現一定的社會意識形態的狀況，并與社會的政治經濟、文化、藝術等方面有密切的關系。原始時代大多數人工制品既是工藝品又是藝術品。這一時期的人工制品大都不是純粹從審美的動機出發的，著重考慮的是它在實際生活中的可用性。而后者是主要的，審美的要求只是滿足次要的欲望而已。中世紀文藝復興前的藝術可以說大都體現在建筑上，而這一時期最為突出的是教堂建筑，它綜合了諸類藝術。教堂建筑中所使用的彩繪玻璃、祭壇畫、壁畫、復制畫及佛像、雕刻、曼陀羅等，不僅是藝術的表現，同時也被當作一種符咒、信仰的對象。此時的藝術和工藝與生活之間始終是不可分離的一體。

人類生產和創造活動中，實用與美觀相結合，賦予物品物質與精神雙重作用，這是人類設計活動的一個基本持點。隨著生產的發展和社會的分工，設計與藝術開始分離走向互有區別的兩個獨立體系。但無論從設計或從藝術發展軌跡來看，設計與藝術始終是相互影響、相互滲透并相互作用的。如文藝復興時期的偉人達芬奇，他不僅是一位畫家，還是一位雕刻家、建筑學家、氣象學家、物理學家、工藝師等。同一時代的米開朗基羅、丟勒等都屬于興趣廣泛知識淵博的全才。文藝復興時期藝術與工藝在分離的同時仍存在著千絲萬縷的聯系。

隨著時間維和能量態在共同的空間行為下，藝術逐漸轉變為獨立的意識形態，尤其在所謂多元化的今天，他更是一個包羅萬象的一種意識表現形式。（甚至不乏一些偽藝術打著藝術的旗號所作的一系列的藝術的藝術）既然是意識就需要表現形式的存在，這也就客觀的要求受眾群體的存在通過兩者之間的交流過程產生藝術的共鳴。從而進一步的深掘人們內心深處的聲音，把它釋放出來。說的明確一點，就是這種聲音就是感情，釋放這種感情就是的解放思想。不管這種思想是中庸的、頹廢的、條件的、壓抑的、痛苦的還是激進的、進步的、偶然的、興奮的。都是形成人類感情的一份子。使個性寓于其性之中。沒有個性也沒有其性也許就是這個道理。

“……我們正迅速接近有理性的和有意識的構圖的時代，到了那時，畫家將自豪的宣稱他的作品是構成的①。

設計和藝術從歷史的溯源看本是同源，都是造物文化的分合離散所致。因此，他們之間存在著親密關系是不言而喻的②

關鍵詞

藝術設計設計藝術

一關于藝術與設計的概念反映

藝術—名詞，可以作賓語

摘要：當一種表達方式附屬于所認可的意識形態時，它就被稱為好的表達方式。作為一個設計師來講，他要通過設計作品來傳達一定的設計意圖和設計思想，然而，思想居住在語言里，要想準確的表達我們的思想，就必須選用我們自己習慣的表達方式和語言，這種語言就是我們的本土語言，它才是我們真正意義上的母語，也是我們重新找回自己藝術語言的唯一依據。

關鍵詞：本土語言、元語言、質疑、重構

從真正的學習平面藝術設計的那天起，我們的耳邊就時常響起一個又一個國外設計家和理論家的名字。也常聽到國內設計界那些在我們看來“需仰視才見”的人物們大罵國內的設計。就連那些未出茅廬的學生們也在人性化的大旗下面高聲吶喊著“裝飾的罪惡”，這些聽起來讓人覺得無比深刻的口號。雖然他們未必體會到藝術設計的真諦是什么，但是這樣的漫罵似乎可以起到鳴鑼開道的作用，它足以說明我們設計思想上的反叛和語言上的創新。我們對傳統文化、傳統圖案乃至傳統藝術不屑一顧，仿佛一夜之間我們不再是這樣的環境中長大成人的。我們為能用自己的嘴去說出別人的理論觀點而沾沾自喜，其實我們并不知道真正的傳統文化的博大精深，更沒有深入的研究我們的本土語言，以至于我們一張口就是別人的。我們甚至淪落到了為西方的藝術設計理論去努力的尋找依據的地步了。我們的前人那樣生動而精湛的藝術設計語言，為什么在今天受到了如此冷落？什么才是真正屬于我們自己的表達方式？思考之后我覺得就是要堅持用我們的本土語言說話，因為這是重新找回自己藝術語言的唯一依據。

一.我們本土藝術設計語言的處境

我們知道現在是西方神話的時代，也是他們主宰話語的時代，盡管我們在理論上承認文化藝術的多元化存在和多種藝術的共生，但是多種藝術所獲得的生存和傳播的權利卻是受經濟、政治和傳媒發展等多種不同的因素所影響的。人們并不能充分地展開各種藝術語言的可能性。第一世界的影響幾乎深入了各個民族之中，人們往往失去了充分了解和體認許多中國本土文化藝術的機遇和可能。同時，在承認文化藝術多元化的普遍共識中，卻也包含著用西方的價值觀來理解和判斷我們的文化藝術的因素。當然，這往往并不是明確的觀念，而是滲透于話語之中的無意識的因素。這種評價往往不是有意識的“貶低”或“輕視”，而是由于文化機器的介入以及引入了復雜的意識形態，使肯定和否定我們自身的藝術都失掉了現實可靠的基礎。高度工業化的藝術產品的生產也使得文化藝術失掉了古典時代的那種生氣靈動的“光暈”。錄相、錄音、書籍、計算機軟件等產品的無窮的“復制”，使我們的私人生活的領域驚人的公共化了。我們可以在不同的國家廉價的買到中國藝術的印刷品。文化工業的崛起事實上把一種商品化的無選擇性的處境交給了整個世界。我們看到的是眼花繚亂的多元化的情景，但這一多元化卻是以無選擇的商品化為基礎的。事實上這種主權掌握在工業高度發達的第一世界國家的手中，我們處在一種“后殖民主義”的文化處境中。（所謂“后殖民主義”指的是在民族獨立與解放已成為現實的狀態中，在文化上的多元共生已被廣泛承認之后，在一個大眾傳媒和跨國資本主義的時代中，隱含于文化中的等級制）原有的第一世界話語控制著我們的言談和書寫、壓抑著我們的生存，而這種控制和壓抑又帶有強烈的隱蔽性的特點，它甚至滲入了我們的無意識領域，使我們承擔著一種無能為力的僵局。這也是當代世界的最深刻的分裂，它劃開了在種族、階層和性別差異中的嚴峻的對立的性質。因此，我們的藝術設計理論應該是一種解放、一種超越，一種延綿千年的種族情感的重構。它游動于閃爍不定的生命的河流之中，它來自一種“切膚”的生存體驗。它首先是一種態度、處境和情感，然后才是一種理論和話語。我們的藝術是弱者的藝術，是被壓迫者和無權者的藝術。第一世界的藝術設計理論總是試圖將自身文化中產生的價值觀念和意識形態想象為一種“超文化”的“元語言”性的絕對真理，在一種真理沖動的狂熱自戀中將自身的藝術想象為永恒的、科學的真理。這種“世界主義”的設計思想，實際上是權威性的和缺少對話的。我們一貫主張的藝術對話是缺少相互性的，是有來無往的。所以，每當我們看到一幅國內的設計作品的時候，就習慣性的站在另一個世界的文化藝術立場上，我們既不敢妄加評論那些看不懂的抽象作品，也不敢面對那些泥土般的作品，所以，我們現在國內的藝術設計領域里既沒有大膽的批評，也沒有熱切的贊揚，什么都沒有。

二.我們為什么要發展藝術設計的“本土語言”？

摘要：后現代課程觀中的豐富性和回歸性為當今藝術設計的課程教育提供了多元而開放的空間，它超越了目前依然占主導地位的現代工具理性課程觀。積極汲取這些優秀的理論成果，有利于培養出具有創造性、高水準的藝術設計師。

關鍵詞：藝術設計教育后現代課程觀豐富性回歸性

隨著我國教育體制的不斷改革，藝術設計專業似乎“一夜春風花滿枝”，成了多年來的大熱門，各類高校爭先恐后地上馬設置和擴招，大有成為制造藝術設計師的“世界工廠”之勢。然而我們只要稍加審視便會發現：作為其成敗的關鍵核心——課程的教育方式卻依然沒有走出由工具理性所支配的課程體系，顯得較為滯后。那么到底怎樣才能擺脫該體系的束縛呢？從現階段來看，美國著名教育學者小威廉姆E·多爾的后現代課程觀無疑給了我們很大的幫助和啟迪。他的核心觀點就是“四R”，即豐富性、回歸性、關聯性和嚴密性。其中豐富性和回歸性對于藝術設計課程來說尤顯重要。下面筆者就圍繞這兩點針對當今的藝術設計教育略作探討，以期拋磚引玉之效。

一、豐富性

在后現代課程觀中，“豐富性”指課程的深度、意義的層次、多種可能性或多重解釋。它強調課程應具有適量的“不確定性、異常性、無效性、模糊性、不平衡性、耗散性與生動的經驗”，以達到既可激發課程的創造性又不會使之失去形式或形態的“適量”。由于藝術設計專業是屬于應用型學科，其目的性極強，所以大多數的教育工作者在課程之前往往就設定了嚴謹的目標和要求，甚至規定了標準模式。一旦這種教育方式得以確立也就使課程失去了創造性。雖然從表面上看課程的形式完好無損，但內部則顯得機械和單一。因此，加強課程的豐富性是改善當前藝術設計教育狀況的重要途徑之一。根據該專業教學的特性，課程的豐富性可以從教學內容的開放性和師生之間的互動性這兩方面來具體分析。

(1)開放的教學內容是構成課程豐富性的基礎條件。由于國內教育長期處在工具理性思維的支配之下，課程已淪為一種封閉性的科學教條，被徹底工具化了。首先，從我國藝術設計專業的理論教材上看，各專業方向彼此有著嚴格的區分。這種區分固然能使其符合各個專業方向的特性，卻難免會把學生擠到狹窄的縱向道路之中去，不利于學生在課堂上充分地發揮。根據后現代課程的觀點，對于課程的理論內容，我們都應在滿足自身專業的要求下，盡可能地拓寬本專業的橫向廣度，產生適量的不確定性和模糊性，讓學生在縱向和橫向的多角度中思考與探索，使橫向內容輔助縱向核心的發展，以全面理解課程的要點，從而能在廣闊的空間中不斷進步。例如對于基礎素描課，平面設計專業目前最新的觀點就是追求畫面的形式美和裝飾感，但與此同時我們也應該兼顧到對明暗、結構和線性素描的理解，讓生動的線條、變換的空間和虛實的明暗產生于學生的作品之中,以更好地表現出裝飾之魅力。其次，從目前的藝術設計專業教學模式上看，布置統一的作業要求依然占其主導地位。這種一刀切的手法固然有利于作業的最后評估，卻無法彌補和提高學生的不足之處。同一種作業，在不同的要求下，學生得到的鍛煉效果差別十分巨大。例如在做五個方塊間的構成組合練習中，可有以下幾種要求：①表現“大小長短”等形式，②體現“危險、安靜”等內容，③表達“甜酸苦辣”等詞匯。第一種要求有利于培養造型的能力，但無法起到給抽象元素表達感情的作用；第二種要求則有利于情感的表達，卻由于其內容在生活中可視而容易陷入到對具象的簡單模仿中去；第三種要求能增強對感性的認識，可畫面往往會因過于主觀而迷失方向。由此可見，教師只有在布置作業的過程中列出多種不同目標的要求，讓學生在這其中多角度地嘗試與探索，充分展現才能或顯露其缺陷，教師才能深入、全面地了解每個人的特點，引導他們在發揮最佳優勢的同時彌補不足之處。理論和作業是藝術設計課程中不可缺少的兩個要素，我們須同時入手，教學內容的開放性作用才能得以真正體現，從而構成課程豐富性的基礎條件。