描寫美術論文范文精選

論文關鍵詞：寫，繪畫，書法，比較

論文摘要：“寫”具有抒發傾吐、描繪描寫、書寫、傾瀉疏導、移置搬運等多種含義。對于中國傳統繪畫和書法來說，“寫”都是指一種落筆肯定、筆跡和作者當下的內心狀態有緊密對應關系的運動和狀態。

“寫”是中國書法和文人畫領域的核心范疇之一，是書畫品評的重要標準。在中國的藝術理論中，無論是“形而下”的技法操作層面，還是“形而上”的主體審美層面，“寫”都有所指涉。但究竟什么是“寫”?現有著述中并沒有完整系統的論述，散見的主張又多有側重，并不一致。有鑒于此，筆者試著從幾個方面對“寫”進行一些梳理和分析，以期整理出“寫”在繪畫和書法中的具體所指和用法，希望能對讀者更明確地認識“寫”有所幫助。

一、“寫”的詞義辨析

在對“寫”的含義考證方面，大型的字詞典做的都比較充分，例如《漢語大詞典》中“寫”就有十六種注釋:

1.發三聲的“寫”有12種注釋

內容摘要：文章對我國美術學科中國畫專業人才培養的現狀進行分析，從學生寫生與創作能力、理論研究能力、審美認知和綜合素質培養四個方面著手，探索中國畫專業人才培養的模式和途徑，以培養適合現代社會發展需求的德智體美勞全面發展的應用型人才。

關鍵詞：美術學科；中國畫專業；人才培養；綜合能力

多年來，我國的美術教育無論是專業美術院校，還是綜合性大學，針對美術學科的人才培養，各院校教育學者仁者見仁、智者見智。目前，中國畫專業的人才培養基本上形成兩種模式：一種是延續師徒傳授的傳統方法；另一種是受西方現代教育體系和理念的影響，注重基礎造型和色彩能力的培養方法。近年來，由于社會發展對美術學科人才需求的變化，一些教育學者和教師在中國畫專業教育教學的實踐中，對該學科領域進行了積極的探索，并逐步形成各具特色的人才培養模式。

一、專業技能與創作能力培養

（一）專業技能培養

目前，我國各專業院校的中國畫專業的基礎課程均設有素描、色彩、臨摹、寫生等內容。這些基礎課程的專業技能包括用筆用墨、線描、色彩、畫面經營及意境表現等。因此，人才的培養需要加強專業技能訓練。培養學生準確的造型能力，即對客觀事物進行準確的刻畫。這不僅要注重對物體的輪廓、結構、透視、層次、明暗等方面的表現，而且還需要在原來造型的基礎上加以提煉、強化或夸張、變形，以突出中國畫創作的特點。速寫不僅可以有效提高學生的造型能力，也是記錄、收集生活素材的重要手段。中國畫創作講究“目識心記”，這要求對物體的造型、結構和生長規律能夠理解并爛熟于心，這樣才能下筆如有神。速寫要講究“筆不離手”，要求學生對物體有辨識、概括的能力，而且還要對物體有充分的認識和了解，以及深刻的記憶。所以，畫速寫不但能培養學生看、想、記、畫的技能，還可以訓練學生手、眼、筆的協調配合能力，使學生在短時間內能迅速、準確地抓住形體的特征。中國畫專業的造型表現語言與其他畫種有明顯區別，中國畫以“線”作為造型的表現手段，所以課程教學中應該加強“線”的練習。“線”是一種高度概括、凝練的繪畫表現形式。學生需要了解中國畫線條的應用規律，并對客觀事物有深入、細致的觀察和了解，通過線條的表現，對客觀物體進行概括提煉和歸納，這樣才不至于停留在對物體表面的描繪。中國畫專業教師在指導學生對物體進行觀察時，要注重培養學生的觀察和審美能力。傳統西方繪畫講求科學，強調客觀、真實地描寫對象。但是我國傳統的中國畫教學要求在觀察對象時遵循自己的主觀意愿，強調物體的意象性格和精神特征。在各高校的中國畫專業教學中，表現題材分有山水、人物、花鳥三大科目，各個科目都有其特有的精神內涵。山水講究意境，人物講究神態，花鳥畫講究情趣。所以在教學時，這三科的觀察和表現方法也有所不同。宋代畫家曾云巢在觀察草蟲時記載：“取草蟲籠而觀之，窮晝夜不厭；又恐其神不完也，復就草地之間觀之，于是得其天。方下筆之際，不知我為草蟲，草蟲之為我耶。”[1]這段話明確地說明了畫家在觀察物體時的體會。從草蟲放在籠子里不分晝夜的觀察，到對形貌、結構特征了然于胸，又到大自然的草地間觀察它在自然環境中的生活習性、動態變化等，最終達到“不知我為草蟲，草蟲之為我耶”物我兩化的境界。又有宋伯仁的《梅花喜神譜》在序中提到的觀察方法：“余于花放之時，不厭細徘徊于竹籬茅屋邊，諦玩梅花之低昂、俯仰、分合、卷舒，圖寫花之狀貌，得二百余品……”[2]正是這種知之甚詳的觀察積累，方能極為傳神地表現對象。中國山水畫觀察方式是以走馬觀花的方式對山水進行散點透視的觀察，涵蓋了眼中所見山水的全貌，即山水總體印象的總合。山水畫最著名的觀察方式莫過于宋代畫家郭熙在《林泉高致》中提出的“三遠法”。“山有三遠，自山下而仰山巔，謂之高遠；自山前而窺山后，謂之深遠；自近山而忘遠山，謂之平遠。”[3]郭熙將山水畫中的遠近透視覺關系，總結出山水的空間與構圖表達，形成了山水畫自由、獨特的觀察方法。中國畫人物的觀察方法，最著名的觀點莫過于東晉時期顧愷之的“傳神論”。他提出的觀點概括了中國人物畫的觀察和藝術表現方法。他強調以形寫神，通過對人物的觀察和畫家自己“遷想妙得”來把握人物內在的精神面貌，表達人的性格氣質和精神狀態，即“傳神寫照，正在阿堵（指眼睛）中”[4]。中國畫筆墨，從狹義上看，是用筆和用墨的合稱，包含筆法、墨法、章法等基礎技法。中國畫家認為，筆墨運用水平的高低決定了作品的質量。從廣義上看，筆墨運用的特點，則體現出畫家獨有的藝術語言和精神面貌，也代表了畫家的藝術風格。然而，筆墨功夫則需要不斷地練習、積累，才能有所提高。中國畫教學中，如何有效地提高學生的筆墨功夫，關鍵在于對筆墨正確的訓練和學習。在進行筆墨教學的過程中，教師正確的引導方法是非常重要的。一是對經典作品的解讀和臨摹。要求學生在臨摹作品之前，除了分析畫家運用的筆墨技法之外，還要對作品產生的社會背景、畫家的藝術思想和歷代評論家對作品的相關評論等有所了解。二是對經典作品的意臨。了解作品的筆墨技法后，在臨摹作品的筆法、墨法、章法、風格、意境等過程中，通過自己的理解及感悟，擺脫形似上的束縛，把別人的長處融入到自己的作品當中。三是筆墨關系運用訓練。筆墨關系即需要畫家熟練掌握筆墨的運用規律，并通過掌握毛筆的筆力、筆性、筆勢、筆意，以及墨意、墨韻等之間的節奏關系。因此，學生可以通過對經典作品的學習和臨摹，掌握筆墨運用規律。

[論文關鍵詞]人文主義拉斐爾圣母

[論文摘要]拉斐爾從前代藝術大師們的畫風和技法中擷取養分，并認真領悟，博采眾長，最后形成了其獨具古典精神的秀美、圓潤、柔和的風格。他主張客觀地觀察現實生活，真實地再現環境中的典型人物。他畫的圣母以世俗化的手法，突破了中世紀那種頭罩光圈、表情呆板的模式，而是將傳統的宗教題材描繪成現實生活中的理想美，塑造成生活中神態優美、心地善良的普通母親的形象，以稱頌一般人類母性的光輝，體現了他的人文主義思想。

一、時代背景

14-16世紀，文藝復興首先發生于拉斐爾的故鄉意大利，人文主義思想是文藝復興的主導思想。人文主義體現在美術創作上，是重視現實生活的描繪，重視對人倫關系和人的情感的表現，呼喚人性的覺醒，對人的本質力量進行充分的肯定，美術題材空前擴大。肖像畫迅速發展，人體美在美術中的地位得到恢復和發展，風景畫日趨成熟。由于對科學的重視及藝術與科學的結合，美術家們開始悉心鉆研解剖學、透視學，將其運用于美術創作之中，從而使形體寫實主義繪畫日趨成熟。同時，一些美術巨子，憑借他們廣博的學識，全面的修養與科學的威力登上了世界藝術的峰巔。

拉斐爾就生活在文藝復興的這一盛期，文藝復興時期是一個產生巨人的時代，但因從中世紀脫胎而來，也不可避免地帶有中世紀宗教的局限性。拉斐爾從文藝復興各個大師中汲取經驗和營養，憑借自己的藝術才華和努力終于開創了自己獨特的藝術繪畫風格——古典精神的“秀美”風格。他的風格不僅代表了當時人們最崇尚的審美趣味，并且延續了四百年之久，成為后世古典主義者認為不可企及的典范。

二、拉斐爾圣母像的藝術特色

論文摘要：雕塑的產生和材料是分不開的，雖然大多情況下材料只是一種媒介，但人們對材料探索和加工工藝掌握的過程，也是雕塑的制作、審美和形式發展的一個過程。現代雕塑的發展過程也是對固有雕塑材料探索、拓展的過程，本論文由整理提供隨著雕塑概念的解構，雕塑材料的內涵和外延也將發生很大的變化。

一、雕塑材料與中國傳統雕塑發展

《圣經》云：上帝用塵土按自己的模樣創造出世上第一個男人亞當。中國神話也載有女媧“摶黃土為人”。似乎人類一開始便與萬物結下不解之緣。雕塑的起源不是本論文的主題，但雕塑的產生與物質材料分不開，雕塑形象是借助物質材料呈現出來的。雕塑史的發展，撇開雕塑語言自身發展規律外，與人類科技文明的發展也是密不可分的。人類制造工本論文由整理提供具，后創造形象。從削制的石頭工具和用黏土涂在編制或木制的容器上經火烤而成的陶器工具開始，似乎雕塑這個詞的“雕刻和塑造”的內涵已經具備。后隨青銅冶煉技術的發展，在雕塑材料里添加新的成員，再由銅制、鐵制工具的使用，使大型的石雕、木雕成為可能。隨科技的發展，不僅雕塑形體的尺寸不斷擴大，制作工藝的精細也成為可能，當然這里涉及到材料來源和其他諸如運輸、安裝等基礎科學技術。在傳統雕塑中，材料只是作為一種媒介，從屬于選擇地位，雕塑幾千年的發展，對材料的運用已非常成熟。

中國古代掌握雕塑材料的情況如下：

*130～50萬年前：原始人群時期。打制粗糙的石工具。

*2萬年前：母系氏族初期。打制兼能磨制石、骨工具，并在貝殼上鉆孔穿連，用為裝飾，形成雕刻藝術雛形。

論文關鍵詞：文藝復興；油畫構造；藝術手法

論文摘要：文藝復興時代的畫家繼承了希臘、羅馬的藝術觀念，即不僅注重作品要描述某一事件或事實，還要揭示出事件或事實的前因后果，形成了注重構思典型情節和塑造典型形象的藝術手法。

一、具象繪畫發展促成注重構思典型情節和塑造典型形象的藝術手法形成

廣義而言，具象繪畫的歷史背景由來已久。具象繪畫是寫實繪畫發展、延伸后對于平面的、有具體形象為特征的繪畫形態。這是一個大的范疇。但是究其起源，繪畫卻是起功能性作用的。而能起到功能性作用的手段就是其寫實。于是，長期以來在人們的觀念里，它又被認為是對自然的忠實的描寫，是對自然現實以具體的形象來表現的藝術。

作為在西方藝術中長期居于主流地位的具象繪畫，其主要理論來源于古希臘的哲學思想，從亞里士多德以來，就有不同的看法。如亞里士多德認為模仿是人的本能，畫家和雕塑家“用顏色和姿態來制造形象，模仿許多事物”。但亞里士多德并不主張按照事物應有的樣子去模仿。亞里士多德提出的這兩種不同的原則，后來成為現實主義和浪漫主義兩種創作方法的理論來源。

在文藝復興之后，繪畫真正進入一個偉大的時代。具象繪畫逐漸走向成熟，不僅注重作品要描述某一事件或事實，還要揭示出事件或事實的前因后果，于是形成了注重構思典型情節和塑造典型形象的藝術手法。經過幾個世紀的發展，在印象派產生之前，具象繪畫在再現外部世界的真實性方面已經達到了嘆為觀止的程度。人們在欣賞